CLASSIFICA ITALIANA

1. S/T – Blindur
2. A casa tutto bene – Brunori Sas
3. L’amore e la violenza – Baustelle
4. ‘O treno che va – Foja
5. Cosa siamo diventati – Diodato
6. H3+ – Paolo Benvegnù
7. Una valle che brucia – unòrsominòre.
8. Bestiario musicale – Lucio Corsi
9. Soul of an Octopus – O.R.k.
10. King of the minibar – Marti
11. Un mondo raro. Vita e canto di Chavela Vargas – Antonio DiMartino, Fabrizio Cammarata
12. Secret Fires – Ofeliadorme
13. Insight – Lino Cannavacciuolo
14. La mia generazione – Mauro Ermanno Giovanardi
15. Quattro Quartetti – Emidio Clementi/Corrado Nuccini
16. Invocation And Ritual Dance Of My Demon Twin – Julie’s Haircut
17. Dirty White King – Captain Mantell
18. Il futuro è nella testa – Le furie
19. S/T – Stella Maris
20. Graziosa Utopia – Edda

CLASSIFICA STRANIERA

1. Pure Comedy – Father John Misty
2. A Deeper Understanding – The War on Drugs
3. Sleep Well Beast – The National
4. To the bone – Steven Wilson
5. Masseduction – St. Vincent
6. Villains – Queens of the Stone Age
7. Spirit – Depeche Mode
8. Everything now – Arcade Fire
9. S/T – Cigarettes After Sex
10. In Spades – The Afghan Whigs
11. Rennen – SOHN
12. Is This the Life We Really Want? – Roger Waters
13. The underside of power – Algiers
14. Dark Days + Canapés – Ghostpoet
15. Planetarium – Sufjan Stevens, Nico Muhly, Bryce Dessner and James McAlister
16. Oczy Mlody – The Flaming Lips
17. Blackfield V – Blackfield
18. The optimist – Anathema
19. Weather Diaries – Ride
20. Every Country’s Sun – Mogwai

CLASSIFICA ITALIANA

1. Folfiri o folfox – Afterhours
2. La terza guerra mondiale – The Zen Circus
3. L’ultima festa – Cosmo
4. Una somma di piccolo cose – Niccolò Fabi
5. Lunga attesa – Marlene Kuntz
6. The Winstons – The Winstons
7. Il mese del rosario – Flo
8. Omosumo – Omosumo
9. Ultrafun Sword – ELK
10. Una piccola tregua – Paolo Cattaneo
11. Bellissima noia – Nicolò Carnesi
12. Marassi – Ex Otago
13. Capitan Capitone e i fratelli della costa – Daniele Sepe
14. Serpenti – EPO
15. Domestico – Gnut
16. Middle Aged Middle Ages – Songs For Ulan
17. Chronicles – Mokadelic
18. Astral – Cacao
19. Jukebox Songs – Stella Burns and the Lonesome Rabbits
20. Djelibit – Baba Sissoko / Nicodemo feat. Lilies on Mars

CLASSIFICA STRANIERA

1. 22, A Million – Bon Iver
2. A Moon Shaped Pool – Radiohead
3. Love & hate – Michael Kiwanuka
4. At Swim – Lisa Hannigan
5. Boy King – Wild beasts
6. Blackstar – David Bowie
7. Hardwired…To Self-Destruct – Metallica
8. Skeleton tree – Nick Cave and the bad seeds
9. Post Pop Depression – Iggy Pop
10. The Anthology – Emerson Like & Palmer
11. Here be moster – Motorpsycho
12. Painting with – Animal Collective
13. Furnaces – Ed Harcourt
14. Heads up – Warpaint
15. Lighthouse – Iamthemorning
16. The family – Joseph Arthur
17. Atomic – Mogwai
18. Ash & Ice – The Kills
19. Fever Dream – Ben Watt
20. IV – Black Mountain

Album Preferito Italiano 2016 – Sondaggio

Album Preferito Straniero 2016 – Sondaggio

Vorrei iniziare questa chiacchierata parlando del disco tributo a Bowie che avevi realizzato nel 2007. E’ una piccola perla da riscoprire in questo maledetto 2016. Tutto ebbe inizio partendo dal sito RepetitionBowie.com, un’esperienza attualmente conclusa, vero?
Lì c’erano una sessantina di cover di gruppi italiani e quel sito non era niente altro che un contenitore per interpretazioni di brani di Bowie. A quel tempo ero in contatto con Velvet Goldmine, il fanclub italiano di Bowie e io stesso avevo realizzato una cover di Five Years; vedendo che diverse band si interessavano a proporre le loro cover ho pensato di realizzare questo sito. Oltretutto io ero (e sono tuttora) ossessionato dalla figura di Bowie, quindi il progetto nacque spontaneamente. Purtroppo quando è scaduto il dominio me lo sono lasciato sfuggire… ed ora c’è un sito porno! Comunque ho comprato il “.it” e rimetterò in piedi il sito originario.

Dal sito al disco tributo: in che modo è avvenuto il passaggio?
Nel 2006 io ho cominciato a lavorare con l’etichetta di Varese Midfinger Records e fu proprio quest’ultima, riconoscendo il seguito che aveva il sito ed il fanclub di Bowie, a proporre di realizzare una compilation coinvolgendo principalmente band legate all’etichetta. Per cercare di garantire un richiamo anche internazionale, hanno partecipato pure delle band straniere, o italiane ma con risonanza all’estero come i Drink to me, i Mama Shamone. Pensavo che l’etichetta avesse un legittimo interesse economico alla base di questo progetto ma in realtà è stato realizzato principalmente per passione e volontà di aggregare realtà musicali anche molto differenti. Nel progetto è stato coinvolto, presente anche nella tracklist come musicista, Chris Roberts che è un nome di rilievo nel giornali. Ha scritto una presentazione del progetto per il libretto interno del disco.

Quale fu il riscontro di questo disco?
Avendo coinvolto il fan club italiano, ovviamente il riscontro è stato più che positivo. Ufficialmente è uscito l’8 gennaio 2007 per i 60 anni di Bowie ed abbiamo fatto due feste di presentazione, a Milano e a Roma. Bowie in quel periodo era fermo e da tre anni non faceva nulla, quindi anche il nostro progetto, girando intorno al suo nome, ebbe un buon riscontro per un po’ ma poi risentì di questa sua assenza.

Che progetti hai riguardo il sito? Sui brani che ti venivano inviati svolgevi una selezione?
RepetitionBowie.it tornerà, e sarà sempre un contenitore per le cover, per quelle che già c’erano e per quelle che in questi anni sono state realizzate e che verranno da qui fino a chissà quando…
L’idea ovviamente era di fare una selezione tra i brani ricevuti, ma fortunatamente a suo tempo non ce ne fu bisogno perchè brani brutti non ne sono mai arrivati. Forse una nota negativa sta nel fatto che generalmente le coverband presentano versioni molto fedeli ai brani originali: alcune versioni presenti nel sito avevano un approccio didascalico.

Credo che la bellezza del disco, invece, sia proprio la diversità dei brani, forti di reinterpretazioni con stili molto differenti. Il filo conduttore è talmente solido che è stato possibile azzardare e divagare…
Certo, i brani scelti riescono a stare bene tutti assieme pur essendo molto diversi. Allora mi ero un po’ documentato e non mi risultava che nessuno avesse realizzato prima, in Italia, un disco di tributo a Bowie… a me sembrava impossibile che nessuno prima l’avesse fatto. Forse il periodo: tuttora se parlo con ragazzi sui 20-25 anni, ovviamente conoscono Bowie, ma non poi così tanto. Forse per via di quel buco di dieci anni che lo ha visto lontano dalla scena.

Questo che dici vale anche per me: sono convinto che le personali passioni per band e artisti siano sempre frutto della fusione tra questi ed un imprevedibile moto interiore: se questi artisti non “arrivano” nel momento giusto la fusione non si realizzerà mai più allo stesso modo che con altri.
E’ vero! Magari tu vivevi la musica degli anni ’90, anni nei quali lui ha realizzato anche cose importanti ma effettivamente non era il suo periodo d’oro… Ora però sono curioso: tu come percepivi la sua musica in quel periodo?

Io ascoltavo grunge, quindi puoi immaginare come per me fosse distante. Anche se poi c’erano degli agganci (penso a Cobain che canta The Man Who Sold The World) ma in generale quel tipo di musica era lontanissima dalla mia. In un qualche modo la tenevo a distanza. A certe età si è molto “quadrati”, no?
Sì, è normale, tant’è che pure io ero monomaniaco. Però la cosa interessante dell’essere maniaci di David Bowie è che si ascoltava e si studiava un artista estremamente vario, che ha mutato generi e stili. Ascoltarlo da ragazzino mi ha portato naturalmente a conoscere tante cose che senza di lui avrei, forse, poi scoperto molto più tardi in età adulta. Il folk, il rock, il pop, il plastic soul. Secondo me è stato l’unico ad essere veramente trasversale in modo così completo. Lui ha fatto anche un disco di musica classica… ha cantato un’opera di Bertold Brecht! Ha fatto anche molto l’attore, ed era pittore… è andato dappertutto. Dappertutto.

Anche il suo lato attoriale lo conosco molto poco, purtroppo. Puoi parlarmene?
Oltre al cinema, ha lavorato anche come attore teatrale. Ha impersonato Elephant Man, sul quale David Lynch poi ha fatto il celebre film. Bowie però era attore sul palco, e non aveva nessun trucco. La deformità caratteristica del personaggio era assunta da lui solo tramite la postura, così che finiva gli spettacoli con crampi per tutto il corpo.
Pensando a tutte le attività che ha svolto, mi viene in mente anche il web: lui fu uno dei primi nella musica ad usarlo in modo massiccio.

RepetitionBowie (il disco) ha avuto il suo spazio anche sul sito ufficiale di David Bowie, vero?
Sì, è così. Avevo cercato di mettermi in contatto e mi rispose il redattore del sito. Rispose in modo quasi commosso, facendo tanti complimenti al progetto e in particolare a Letter to Hermione che avevo realizzato con gli Hollowblue. Si trattava della persona che seguiva il sito ufficiale da quando Bowie aveva deciso di buttarsi nel web. David era stato uno dei precursori di un sistema con utenti registrati a pagamento che potevano usufruire di contenuti extra: ora è la normalità, ma siamo nel 2016 e non nei suoi ’90! Su molte cose Bowie è stato profetico. Per esempio in un’intervista tra il ’93 e il ’95 disse che un giorno la musica sarebbe diventata come un rubinetto: lo apri ed ascolti, con un abbonamento. E’ effettivamente quello che accade ora! Ovviamente non sarà stato l’unico ad immaginare questo scenario, ma di certo era una persona molto attenta, curiosa, che captava e comprendeva i mutamenti, spesso anticipandoli.

Tornando ai brani del disco: effettivamente anche secondo me la tua (vostra) Letter to Hermione è l’interpretazione meglio riuscita. Ce ne sono di belle, alcune bellissime, ma quando inizia quel brano, si respira un’aria quasi spirituale. Si sente un trasporto diverso, più profondo.
Sì, forse è così davvero. E’ un brano che però abbiamo registrato velocissimamente, ed infatti la qualità audio non è delle migliori. L’abbiamo realizzata in due sere: una sera mi sono trovato con Luca Faggella che ha registrato in modo splendido la chitarra elettrica e mi ha dato qualche idea, poi io ho lavorato agli arrangiamenti, la registrazione della batteria e del basso con gli Hollowblue… tutto molto veloce. La cosa bella della menzione sul sito di Bowie fu proprio che presentarono il progetto del tributo, ma soprattutto poi parlarono di quel brano e del disco degli Hollowblue. Questo mi fece un enorme piacere.

Delle altre band coinvolte nel disco tributo, invece, mi fa sorridere accorgermi ora della presenza di nomi che io poi ho conosciuto solo molto più tardi: Edwood, Mimes of Wine…
Erano tutte band in contatto con Midfinger Records. Gli Edwood poi pubblicarono per l’etichetta degli Hollowblue, invece Mimes of Wine ho avuto il piacere di incontrarla dal vivo per la prima volta solo poco tempo fa qua a Bologna. Oggi purtroppo Midfinger Records non c’è più. Samuele Franzini era partito bene, pieno di entusiasmo e belle idee, ma poi sai com’è ora per le etichette indipendenti. E’ veramente difficile.

Il panorama delle etichette indipendenti è completamente cambiato. Come vedi la situazione attuale?
Rispetto agli anni ’90 ora quante sono le etichette indipendenti? Pochissime. E poi non hanno reale potere di investimento per poter seguire le band, spesso è solo un marchio, legato ad un gruppo. All’estero invece è un sistema che un po’ continua a funzionare. Ho amici musicisti in Francia che mi dicono che se hai un’attività musicale e vai in tour, lo Stato ti paga, hai sovvenzioni, sei tutelato, quindi tutto il sistema musicale ovviamente ha modo di crescere ed essere piuttosto autonomo.

In questo modo le istituzioni riconosco un ruolo a chi fa musica, sia dal punto di vista economico che sociale. E’ una cosa che manca in Italia… penso alla proposta che era stata avanzata (tra i primi anche da Manuel Agnelli) di imporre alle radio una percentuale minima di trasmissione di brani “autoctoni”.
Probabilmente sarebbe un sistema anche eccessivo, ma di certo muoverebbe qualcosa, mentre ora è tutto fermo. Ora è una questione di resistenza. O sei ricco di famiglia, oppure hai resistenza. Io non rientro nel primo caso, quindi devo resistere. Alla fine sono poche le persone che continuano fino alla mia età a fare i musicisti, perchè non ci guadagni. Al massimo puoi avere qualche ritorno dalla SIAE, ma nulla in confronto a quanto spendi per poi fare un disco.

Parlami della tua passione per Bowie: riesci a ricordare il momento esatto nel quale tutto iniziò?
Avevo dodici anni ed ero in Sicilia dai miei zii. Ascoltavo Ziggy Stardust su una cassetta di mio cugino: mi piaceva ma non capivo molto bene… poi una volta, a sedici anni, un mio amico che invece si era fissato mi passò delle cassette con sopra registrati quattro album. Non li avevo ancora ascoltati quando, giocando a calcio ricevetti una pallonata nell’occhio e venni ricoverato per una settimana. I medici dovevano mantenermi la pupilla dilatata dell’occhio colpito. Lì per lì non ci pensai, ma mi ritrovai in ospedale ad ascoltare David Bowie, vedendo in un modo strano, con una pupilla dilatata ed una normale proprio come lui! Bowie ebbe quel problema da quando, per una scazzottata, prese un pugno che gli paralizzò la pupilla: una sciocca coincidenza, ma… mi piace ricordarla.

Quale fu il primo suo disco che comprasti?
The man who sold the world il primo, poi tutti gli altri. E’ stato come un innamoramento adolescenziale, che non ha nulla di sessuale. Apri gli occhi per la prima volta e vedi nella persona che hai di fronte tua “madre”. Un legame unico, riconosci te stesso nell’altro. Ovviamente questo innamoramento si è trasformato in una passione, quindi raccolta di materiale, pile di giornali, filmati. Però questa ricerca l’ho fatta non da collezionista, ma spinto da curiosità, in modo forse compulsivo ma soprattutto per conoscere anche altro, Bowie come uno strumento per arrivare a molte cose. Ed è un sentimento comune a molti della mia età che lo hanno conosciuto a fondo.

Ora c’è un moto di celebrazione enorme: spesso è veramente sentito, ma talvolta è pure sgradevole proprio perchè effetto della morte, e non a vero riconoscimento di quanto realizzato in vita…
Sì, è una cosa sgradevole, ma soprattutto ci sono diversi modi di vivere il momento. Luca Faggella ha cercato di coinvolgermi in un bell’evento che ha realizzato a Livorno. C’era la fila di gente per entrare a questa serata celebrativa. Poi ieri sera mi ha chiamato dicendomi che la serata era andata bene, ma alla fine avrebbe preferito restarsene a casa: ha compreso il motivo del mio rifiuto… Sai, Bowie con la sua vita ha insegnato un metodo che travalica la musica. Diventa più che un personaggio da celebrare. Se con il mio progetto solista Stella Burns mi sentirò potenzialmente libero di fare anche un disco di elettronica, o qualsiasi altro genere allontanandomi dal percorso iniziale, è grazie a lui. Così come discendono da lui molti miei aspetti personali, dalla gestualità al modo in cui mi vesto. E anche una mancanza di pregiudizi che si accompagna alla libertà di sovvertire in qualsiasi momento le convenzioni culturali entro le quali ci muoviamo. Libertà assoluta e atteggiamento di sfida verso quello che riteniamo immutabile. Bowie andava molto fiero di essere per i suoi fan un veicolo verso scoperte nuove, nel campo musicale ma più in generale verso le cose che appassionavano lui stesso.

Spaziando così tanto, quanto riusciva a tenere il controllo del suo lavoro? Quanto era suo e dove invece si lasciava affiancare?
Era molto bravo a circondarsi di persone di talento per raggiungere un obiettivo, e questo portava anche a delle rotture. Ad esempio quando annunciò pubblicamente che come Ziggy Stardust non avrebbe fatto più concerti, i musicisti del suo gruppo, The Spiders from Mars, lo vennero a sapere soltanto in quel momento! Eppure con il suo produttore Tony Visconti ci fu una rottura pesante quando Bowie realizzò Let’s dance per il quale chiamò Nile Rodgers degli Chic. Ma anche Tony Visconti, con il senno di poi, ha compreso il perché di quella scelta. Bowie cercava le persone giuste per realizzare le sue idee, e ci riusciva. Però in alcuni casi ha anche fatto quasi tutto da sé, come per Diamond dogs, un album diversissimo dai precedenti, molto moderno!

Parlando con gli altri redattori di LostHighways ci siamo trovati concordi sul fatto che Bowie fosse una persona capace di anticipare veramente i mutamenti della musica. Come riusciva in questo?
Il più delle volte non inventava nulla, ma captava e rielaborava. Riusciva a fare questo con una personalità tale che ogni volta diventava il suo stile, più potente degli stessi musicisti che lo avevano precedentemente partorito. Così ha fatto con l’album Heroes: non aveva inventato completamente quel suono e attitudine, ma le fece sue. Tutta la new wave quindi risulta nata da lui; i Joy Division si chiamavano inizialmente Warsaw, dalla sua Warszawa. Ma la storia della musica recente è piena di figli di Bowie.

Per Blackstar si è fatto accompagnare da musicisti ancora una volta nuovi. Un altro mutamento. Ti sei fatto un’idea del perchè di questa scelta?
Blackstar è stato il suo ultimo album in vita, per forza doveva stupirci. Bowie ha abbandonato tutti i musicisti con i quali ha lavorato in precedenza, e ha trovato un gruppo jazz. Quel disco è un testamento. Recentemente Tony Visconti, di nuovo produttore dell’album, ha detto che un giorno Bowie arrivò in studio senza capelli e senza sopracciglia. Loro parlarono, ma ovviamente anche i musicisti capirono. Lo stesso Bowie, dice Visconti, si aspettava di avere ancora qualche mese di vita. Comunque, avendo scoperto della malattia diciotto mesi prima (e forse anche di più), lui sicuramente ha programmato tutto: l’uscita di Blackstar, ma anche di altro materiale registrato in passato… già si dice che nel 2017 uscirà un altro album. Ha deciso di passare gli ultimi mesi in studio, ed evidentemente anche lui sentiva il peso di dover comunicare il suo addio alla gente che lo ha sempre seguito. In particolare gli ultimi brani di Blackstar sono proprio un saluto.

Pur non essendo un fan, ammetto di essere stato molto toccato dalla notizia della sua morte. Ascoltando poi il disco si riconosce che anche in questo suo “andarsene” è stato unico.
Il disco è cupo perchè ricalca il periodo della malattia, ma gli ultimi brani sono sereni. Dietro c’è un messaggio positivo. Penso che nessun altro potrà, con tale intensità e riscontro, riuscire in questo modo a programmare e realizzare il proprio saluto. Sta avendo una risonanza enorme, se ne parlerà per tantissimo tempo, e lo faranno le persone più disparate. E’ come aver avuto la fortuna di condividere lo stesso periodo in cui è vissuto Leonardo Da Vinci e poi assistere alla sua uscita di scena. Un privilegio.

Un commento generale su Blackstar?
Mi piace, più di The Next Days che pur essendo stato un graditissimo ritorno a sorpresa dopo dieci anni era un po troppo “alla maniera di Bowie”. Qui invece ha osato, con coraggio. La prima volta che ho visto i nuovi video ho pensato che la stessa vecchiaia fosse usata come ennesima maschera. Dopo la sua morte ho riflettuto ed ho pensato che forse la vecchiaia era, invece, finalmente “togliere la maschera”, liberarsene. Questo ha un riscontro anche nei testi. Resta il fatto che in questi giorni non riesco ad ascoltare altro che Blackstar. Non sono riuscito nemmeno a registrare; ho ripreso appena oggi.

Ecco, parliamo ora del tuo lavoro. Con il progetto solista Stella Burns stai realizzando un disco di cover. Hai già chiare le idee sui brani da inserire?
Sì, adesso stavo facendo i Divine Comedy, Calexico, Leonard Cohen e La Baronessa di Carini che è la sigla di uno sceneggiato anni ’70 cantata in siciliano (la storia di un omicidio nella Sicilia feudale dei briganti, quindi un po’ una “murder ballad” del “nostro west”). Altri brani che sto facendo sono italiani ma da me tradotti e cantati in inglese: Ciampi e Mino Reitano. Inserirò anche una canzone di un autore israeliano realizzata da Little Tony, una cosa un po’ particolare. Saranno tutti brani registrati con voce, chitarra, banjo, mandolino, pianoforte, archi, batteria grazie al contributo prezioso dei musicisti che da tanto tempo mi accompagnano nei live, Mario Franceschi, Franco Volpi e Davide Malito Lenti. Il mixaggio sarà ad opera di Francesco Giampaoli dei Sacri Cuori. Con loro sto avviando una collaborazione per il mio prossimo album di inediti.

Questi dischi quando usciranno?
Il disco di cover a Giugno, mentre quello di inediti ad inizio 2017.

Dov’è quindi David Bowie in Stella Burns?
Ovunque e da nessuna parte nello specifico. Nella mia musica è più facile trovare Nick Cave invece che Bowie, è piuttosto evidente, ma come ti dicevo lui mi ha insegnato un metodo di approccio all’arte e alla vita, che vale molto, molto di più.

Repetition*Bowie – streaming

Non sai quanto mi manchi e forse c’è di più
Un anno senza Pino Daniele.

Un anno e qualche mese.
A ripensarci adesso non sembra nemmeno tanto, non c’è quel senso di Passato.
Sembra quasi non sia morto nessuno, forse perché in certi universi la voce ci sopravvive. Perché forse, spesso, davvero rimane una traccia sulla sabbia del tempo.
Perché, molto meno spesso, la musica non è un amante senza cuore.
O forse perché la musica buona non muore mai, vallo a sapere.
Se volessimo essere spudoratamente critici, e magari anche cattivi, allora potremmo dire invece che la musica di Pino Daniele era invece morta da tempo, che il cantautore napoletano aveva perso da anni il suo smalto, come diceva una sua canzone “come si cambia, è vero, e poi non te ne accorgi più“.
Eppure anche questo sarebbe un giudizio dettato dalla parzialità o dall’eccessivo amore.
Il punto è che di Pino Daniele si è detto tanto ma “tanto” resta sempre poco, perché non si può racchiudere in pochi link gettati su uno schermo la carriera di un artista simile, ciò che culturalmente ha rappresentato, ciò che ha significato la sua voce per chi lo ha amato.
Forse nessuno prima di Pino Daniele è riuscito a incarnare meglio i contrasti della città di Napoli e dell’esserne un suo figlio. Quel suo essere metà poeta e metà malinconico cantante, un po’ galantuomo e un po’ bottegaio, eccelso chitarrista jazz prestato al pop, serio ma mai serioso eppure scanzonato ed ironico, volgare nell’accezione di volgo e al tempo stesso romantico, tutto questo essere nero a metà ha fatto sì che, negli anni a cavallo fra i primi anni ’80 e la fine dei ’90, Pino Daniele desse voce ad una generazione e ad un’intera città, prima che la deriva decadente della musica neomelodica sfregiasse il volto di Partenope.
La città sul golfo, del resto, era da sempre stata crogiolo di culture e commistione di influssi. Il jazz ed il blues trasmessi dai giradischi dei soldati americani negli anni ’40, ed il rock che arrivava da oltreoceano nei ’60 si fondevano con quella sorta di scala araba tipica della canzone melodica napoletana e, prima o poi, qualcuno doveva raccogliere i frutti di quell’incrocio, per certi versi, così africano, così nero senza esserlo completamente.
Stilare una fredda analisi del percorso creativo di Pino Daniele sarebbe come una triste autopsia, qualcosa di asettico e, in fin dei conti, di inutile. I primi dischi ancora legati alla cultura musicale dei vicoli e bla bla bla, la deriva blues e bla bla bla, gli esperimenti fusion ed il passaggio a sonorità definite mediterranee e bla bla bla, l’esaurirsi della poetica e bla bla bla, gli ultimi lavori oramai solo esigenze contrattuali e gli ultimi colpi di coda. Tutte parole relativamente sterili.
Basta aprire Wikipedia per avere un’idea di chi era Pino Daniele.
Ciò che invece è complicato da spiegare è il sentimento di familiarità che avevamo, noi cresciuti nella Napoli di quel benedetto decennio, con le parole di Pinuccio, come da sempre era chiamato dai fans di lunga data.
Quel vezzeggiativo così Made in sud la dice lunga su cosa era davvero il cantautore napoletano.
Nelle sue canzoni si evidenziava quella malinconia da domenica pomeriggio, quello spaesamento tipico del trovarsi in ballo ma, al tempo stesso, la gioia del vivere quotidiano che può dare “‘na jurnata ‘e sole e quaccheduno ‘ca te vene ‘a piglià“.
Tempo fa dissi che la morte di Pino Daniele era, per me che sono cresciuto con le sue note, come la perdita di un carissimo vicino di casa, un amico lontano, forse un mezzo parente, un appartenente a quella categoria parentale così napoletana, ‘nu cumpariello. Perché questo è stato Pinuccio per i tanti che, come me, hanno mosso le dita su una chitarra esercitandosi con i suoi arpeggi; per noi che aspettavamo n’ata staggione, che hanno passato minuti fumosi seduti sul cofano di una vecchia Fiat ad aspettare che il tramonto tramutasse il golfo in un’esplosione di rossi mentre sopra il Vomero il cielo era sereno, aspettando la luna ch’è fummo, è fummo e niente chiù.
Come ha detto molto più significativamente Fausto Mesolella, la scomparsa di Pino Daniele, più che una perdita, è invece un problema.
Un problema serio perché con lui scompare un artista che ha saputo coniugare i venti moderni con le radici nostrane ma anche straniere, non sempre riuscendoci perfettamente ma sempre tentando, sempre coniugando influenze, sempre azzardando. Unire il blues al rap, forse con risultati non sempre degni di nota, la melodia napoletana al jazz in maniera invece più che eccelsa, le sonorità mediterranee con l’elettricità tipicamente rock sono stati, questi, esperimenti alchemici che nessuno ha mai ripetuto. Se da un lato la scena napoletana è sempre stata pregna di talenti, così con nomi storici quali i Napoli Centrale, gli Showmen, gli Osanna, Enzo Avitabile, la NCCP, così con le sonorità nate a cavallo dei ’90, tre nomi su tutti i 24Grana, i 99posse e gli Almamegretta (va fatto notare che nessuno di questi nomi, fatto salvo Enzo Avitabile, ha resistito al passare del tempo), dall’altro lato, si diceva, Napoli non ha più prodotto nessuno che riuscisse a conciliare sperimentazione, tradizione e comunicazione transgenerazionale del calibro di Pino Daniele e all’orizzonte le nuvole che si addensano non lasciano intravedere futuri successori.
Pino Daniele è diventato un viso in quel poster triste di personaggi della cultura partenopea oramai passati a miglior vita che spicca in alcune pizzerie del centro. Un nome che ha portato la città della sirena ad alzare, seppur per poco tempo, la testa nel panorama culturale nazionale.
Il concerto in memoria, poco tempo dopo la sua scomparsa, nella piazza che vide le sue prime esibizioni, è stato un vero e proprio tributo dell’amore che la sua gente provava per il suo uomo in blues. Si sono mobilitate associazioni, il comune ha intitolato una strada, si sono organizzati giri turistici delle vie che l’hanno visto crescere. Nella migliore tradizione italiana si è fatta polemica su dove e come celebrarne i funerali. Un noto cantante neomelodico tristemente assurto alla fama nazionale, a somma dimostrazione dell’imbarbarimento della cultura, e non solo musicale, di questo paese, ha rilasciato un’intervista in cui asseriva che fra lui e Pino Daniele vi fosse rivalità… che è un poco come dire che esisteva rivalità fra la squadra di calcetto del bar all’angolo ed il Real Madrid. Va detto, a memoria dei più, che quando si presentò sul palco di piazza Plebiscito durante uno degli ultimi concerti di Daniele, più un atto dovuto che altro l’invito a quel concerto, questo pittoresco personaggio fu accolto da un boato di fischi tale da spezzargli il fiato in gola, a dimostrazione di ciò che pensava il pubblico napoletano della sua musica.
Un triste accostamento di due modi di fare musica a Napoli e in Italia.
Insomma il problema di trovare un degno sostituto di Pino Daniele è arduamente risolvibile e, del resto, io non vedo nemmeno perché dovrebbe essere risolto.
Io non voglio un’altra voce che ne prenda il posto.
Io voglio di più di quello che vedi.
Voglio ricordare la tua.
Statte buon’ Pinù.

Dal 10 di Gennaio sono diventate innumerevoli le iniziative per commemorare il grande David Bowie. La notizia della sua morte è stato un fulmine a ciel sereno, ancora difficile da metabolizzare per i tanti fan, per i numerosissimi estimatori. L’ultima trasformazione di Bowie lo vedeva protagonista di un disco di rara bellezza, l’ultimo suo dono al pubblico, Blackstar.
La redazione di LostHighways ha pensato a quale potesse essere il modo migliore per omaggiare un artista così rilevante nel mondo moderno dell’arte. Prima di tutto però, con coerenza rispetto al principio di condivisione che anima ogni nostra azione, abbiamo pensato di raccontarci tra noi quali fossero i ricordi legati a David Bowie. Ognuno di noi ha un proprio livello di approfondimento dell’opera di Bowie, ad ognuno è “arrivato” in modo differente. Per quattro giorni abbiamo fatto girare i nostri pensieri via email, prima di tutto per noi, per scoprirci in quelle note che non si spegneranno mai. Questo è il nostro ricordo, nudo e crudo, in continua evoluzione: un fermo immagine amaro.

Non ho un ricordo diretto di Bowie: non ero una sua fan accanita, ma quella del Duca Bianco è sempre stata una presenza costante nelle mie passioni (musicali e non). Ricordo che, a cavallo tra le medie e le superiori, ho scoperto i Queen. Erano i miei primi approcci con il rock e lì credo di aver incontrato per la prima volta David Bowie, grazie alla collaborazione nel brano Under Pressure. Poi è arrivata l’epoca del grunge, delle band arrivate da Seattle e dintorni e, ancora una volta, ho ritrovato Bowie grazie ai Nirvana e alla loro splendida cover di The man who sold the world. Andando avanti con le mie scoperte musicali, ho iniziato ad ascoltare i Bluvertigo e, più avanti, i Placebo. Nei discorsi di Morgan e Brian Molko rientrava di continuo il nome di David Bowie, anche attraverso collaborazioni, perciò va da sè che le mie passioni siano sempre state influenzate da lui.
Il ricordo più bello che ho di Bowie, però, è legato al cinema. Uno dei miei film preferiti di sempre, Velvet Goldmine, si ispira a lui, al suo Ziggy e al periodo glam, di cui il Duca Bianco è stato uno dei precursori. E poi c’è Labyrinth, che ho amato durante la mia infanzia, tanto da farlo poi vedere anche a mia figlia. Ricordo che, quando lei aveva poco più di due anni, non andava mai a letto se prima non la prendevo in braccio e le facevo vedere Jareth che canta Magic Dance o la scena del ballo di Sarah.
| Katia Arduini 

Per me David Bowie è stato uno tra i tanti artisti appartenenti alla mia adolescenza musicale. Uno dei tanti che mi ha fatto crescere musicalmente, che mi ha fatto appassionare alla musica e al quale mi sono ispirato per cercare di comporre dei pezzi con la mia prima band.
Vista la mia età, l’ho potuto seguire solo nella fase finale della sua lunga carriera, però ho apprezzato tanti suoi album; in particolare quello che più sento mio è Heroes. Ricordo bene anche le sue parti in diversi film, una cosa che mi ha sempre stupito ed affascinato molto.
Infine il ricordo più attuale: quello della mostra fotografica all’Ono Arte di Bologna. Ricordo di aver passato parecchie ore a leggere tutte le descrizioni della vita di Bowie e a gustare le tantissime foto presenti. Il mio ricordo è questo, semplice però comunque presente e vivo.
| Davide Guarini

Con lui se ne va un altro pezzo della mia adolescenza.
Labyrinth, un’amicizia unica e Stardust.
È stata una strada tortuosa
senza te nel labirinto, amica mia
con i tuoi occhi che volano via
assieme al barbagianni, alla finestra.
| Elisa Des Dorides

Forse dovrei mettere le cose in ordine, forse potrei, forse, ma non voglio farlo.
Imbraccio l’acustica e urlo tremante Rock’n’roll suicide, ma “gimme your hands” mi rimane in gola. Un attimo di calma e passo alla Lettera ad Ermione, la calda ballata dell’amore infranto, dell’amore che aspetta, nella solitaria West Coast d’Albione, prima che il vento cambi. E penso alle discussioni coi compagni di gruppo su quale album fosse il migliore, se Ziggy Stardust, il cui nastro ricco di bonus tracks ho consumato, o Hunky Dory, che anni dopo avrei ascoltato per intero seduto sul divano di casa con mia figlia tra le braccia.
In una sera magica era in riva al mare, sulla spiaggia che il metallo fuso non è riuscita ad annullare, cantando Quicksand voce e dodici corde ha alzato in perfetta spaccata una gamba verso gli astri, mentre occhi giganti ci rotolavano addosso, macinati dalla batteria infaticabile, il fischio circolare dell’elettrica. La sua presenza. La sua forza. Il suono di una voce. La voce di un solo uomo che dà vita alle voci di molti. Un concerto marchiato nella memoria. Una dolce nostalgia. Tommy Stone che si guarda allo specchio e rivede con rimpianto Brian Slade e la sua gioventù sfiorita. Il vero Bowie che si specchia nel suo sé immortale, che credevamo immortale, e che invece non rimpiange, come potrebbe? Come un vampiro, quella notte che non dormimmo perchè Miriam si sveglia a mezzanotte. Ma lì era la vittima fedele e dannata e i vampiri noi a bere il suo sangue.
Mio padre che mette Space Oddity sul piatto mentre la macchina del sole viene giù, e quella copertina magnifica che avevo spesso tra le mani, dal terrificante richiamo, quel fulmine rosso e blu che squarcia un volto alieno, il cui corpo evanescente non era troppo diverso dal mio. Cosa si celava dietro una simile immagine? Nella mia dimensione progressive quell’assolo di piano, coi suoi esotismi e le sue dissonanze, era la perla più preziosa.
Feste esilaranti ballando senza freno sul riff schizzoide di Sweet thing (reprise), i folli coretti di Chant of the ever circling skeletal family, le luci scintillanti di Dead man walking, che in fondo era l’autore di Let’s dance e Magic dance. Avevo nove anni e quel film ha forgiato come pochi il mio immaginario. Il rovescio, il tempo fuor di sesto, la magia, Escher, il labirinto, pupazzi in carne e ossa che il digitale non sa superare, il fantasy, il ballo, romanticherie, ironie bizzarre, il potere illusorio e l’illusione in una bolla infranta da una sedia scagliata via che manda tutto all’aria, perché ‘tu non hai alcun potere su di me’.
Tu, proprio tu, che invece lo avevi. Lo hai.
| Alessio Cuccaro

Bowie per me c’è sempre stato. Non ricordo un inizio. Ricordo solo dei momenti in cui lui era colonna sonora. Era nelle mie compilation su cassetta da regalare alle persone a cui tenevo, nel pomeriggio del mio primo bacio, nel mio primo viaggio in macchina, nel posto in camera mia dove tenevo le cose più preziose, gli album comprati coi risparmi, quelli consumati dagli ascolti.
Ma ricordo benissimo la fine (che poi fine non sarà mai), questo Blackstar tanto atteso, che sembrava avere il mio nome, e il suo respiro in ogni parola e tra una parola e l’altra, e pensare “questo è un album definitivo, un capolavoro” per poi sapere qualche giorno dopo che tutti quei respiri si erano dissolti, per sempre, nei nostri. Bowie è stato ed è per me un valore universale, un uomo che mi aiuta a comprendere le mie paure, la grandezza e la fragilità in un unico essere, bellissimo ed elegante, che è sempre stato eterno. Che è nato eterno.
| Luciana Manco

Ero in un treno freddo ed affollato: stavo lasciando momentaneamente la nebbiosa pianura padana per concedermi un weekend nella mia Firenze. Con la testa appoggiata su di un finestrino appannato viaggiavo, pensavo e leggevo. Leggevo una breve intervista a Bowie sul suo ultimo lavoro: “Elena, sveglia, è uscito l’album ieri, proprio nel giorno del suo compleanno. Ci muoviamo a comprarlo?”. E così è stato. Sono scesa dall’Appennino Express, mi sono rifugiata nel mio negozio di dischi preferito e mi sono messa in tasca Blackstar. Come ogni album di Bowie, COMEOGNIALBUMDIBOWIE, al primo ascolto non riesco mai a capirlo. Al secondo tentativo ci tiro fuori qualcosa; al terzo inizio a sognare. Bowie su di me ha sempre avuto un potere immaginifico, come pochi al mondo son riusciti. Blackstar mi ha accompagnato fino al risveglio (traumatico) del lunedì mattina, quando, intorno alle 7.30, con gli occhi pallati sulla mia fida tazza di caffè, ho iniziato la rassegna stampa quotidiana, fino ad arrivare a quello che non avrei mai voluto leggere. Mai. Ci ho messo un bel po’ per realizzare, un bel po’. Il caffè, nel frattempo era diventato imbevibile, di un amaro insostenibile, come insostenibilmente amaro era diventato quel lunedì. E’ sempre spiazzante quanto la mente ricordi anche i più piccoli particolari se collegati ad un evento che ha deviato la linea normale della nostra quotidiana esistenza. Bowie per me era l’unico visionario rimasto al mondo. Un visionario fiero, intelligente, poetico ed ammaliante. Era una rockstar, una delle poche ancora credibili e consapevoli. Il resto rimarrà per sempre tra me ed i suoi dischi.
| Elena Panchetti

Non sono un’attenta conoscitrice della vita e delle opere di David Bowie. I miei ricordi su di lui riguardano essenzialmente i brani più celebri, la Magic Dance di Jareth, Re dei Goblin in Labyrinth e la scoperta e l’ascolto dell’immensa Sweet Thing qualche sera fa. Ma mi piacerebbe ricordarlo soprattutto con il brano al quale sono maggiormente affezionata, Changes, poiché racchiude, al di là dell’essere un inno al trasformismo di Bowie, una chiave di lettura più profonda e collettiva legata alla continua lotta per il superamento di quel senso di smarrimento che ti assale davanti ai cambiamenti più difficili della vita.”Ch-ch-ch-ch-Changes (Turn and face the stranger)”
| Maria Concetta Botrugno

Quando ho letto della tua morte stavo facendo colazione. Mi ero svegliato da poco, fuori il cielo era splendido e soffiava uno strano vento, forte ma caldissimo per una giornata di pieno inverno. Davanti alla tv mescolavo i cereali nello yogurt mentre il giornalista svolgeva la rassegna stampa. Con gesti delle mani evidenziava parole sulle pagine dei quotidiani ingigantite nel touchscreen al suo fianco. Io spettinato, vestito con una vecchia tuta, lui in giacca e cravatta a leggere di politica ed economia noncurante della frase che capeggiava su sfondo rosso appena sotto di lui: E’ MORTO DAVID BOWIE.
Cellulare in mano, corro ad aprire i siti di informazione online e non trovo nulla. Mi sposto su Facebook nella pagina ufficiale del Duca Bianco e trovo conferma di ciò che speravo fosse l’ennesima bufala.
Eri morto davvero, appena due giorni dopo la pubblicazione del tuo album. Non lo avevo nemmeno ancora comprato.
E’ così strano quando muoiono le persone famose: in alcuni casi provi enorme fastidio per l’incredibile tam-tam mediatico provando disprezzo per l’enorme attenzione data al personaggio popolare di turno a differenza del vicino di casa stroncato da un qualsiasi malore; in altri casi vorresti che il mondo si fermasse in preghiera. Nessun suono, nessun movimento. Diamine, state fermi. Tutti. E’ morto Bowie. Oggi non si può lavorare, non si può studiare, ridere, scherzare, mangiare… è morto Bowie.
Eri morto davvero ed io, che non sono mai stato un tuo enorme fan, stavo male; soffrivo più di quanto avrei potuto immaginare.
Mi sono chiesto come mai, e forse pian piano l’ho capito.
Prima della tua morte non avevo nessun tuo disco originale: me ne vergogno un po’. Per qualche motivo non ho avuto la fortuna di incontrarti nel momento giusto della vita. Questa è una cosa che mi è capitata con diverse band e artisti: alcuni se non li incontri in un preciso momento poi non riusciranno mai a diventare profondamente tuoi. Tu, Lou Reed, Iggy Pop, Morrissey, e altri che non sto ad elencare, non fate parte del mio bagaglio formativo essenziale; voi siete arrivati dopo a scombinare un po’ le carte ma non mi avete plasmato, creato, distrutto e poi creato di nuovo come altri, invece, sono riusciti. Ma non te la prendere, è solo questione di tempismo e la colpa sicuramente è tutta mia.
Mi sono comunque accorto che tu c’eri tantissime volte. Eri dentro alle persone al mio fianco, ti adoravano. Eri con qualche brano nelle compilation da ascoltare in auto nei lunghi viaggi e nelle notti calde parcheggiati con le portiere aperte. Eri nelle pubblicità in tv. Eri nei film che in tanti mi dicevano di guardare ma che io evitavo perchè quando sento parlare troppo di qualcosa poi mi scoccio e ne fuggo. Eri nei libri che leggevo, mentre si narrava la tua incredibile vita. Eri perfino nei pessimi documentari in tv a tarda notte, quei documentari nei quali si presentavano le prove della tua vera identità da vampiro, un essere immortale, pensa! Eri nella voce di Kurt Cobain mentre cantava The Man Who Sold the World in quell’Unplugged in NY che mi straziò l’anima. Eri nell’aria, insieme ad un altro campione, quel giorno a Venezia quando Ben Harper e Eddie Vedder cantavano spalla a spalla Under Pressure. Eri in qualche vecchia apparizione in RAI. Eri insieme agli Arcade Fire sul palco a cantare Wake Up! Eri in una bellissima mostra fotografica del tuo amico Sukita alla galleria ONO di Bologna. Eri nelle locandine dei concerti ai quali non sono mai stato (mi maledico!). Eri nella cover di Heroes ad opera dei Quintorigo che ho ascoltato migliaia di volte. Eri sul palco degli Afterhours una sera nella quale suonarono Quicksand, non ricordo quando ma ricordo la bellezza. Eri presente anche quella mattina del 10 Gennaio in quello strano caldo vento… Wild is the wind, cantavi.
Eri e sarai sempre in tutti i tuoi dischi, nella storia della musica e dell’arte perchè pochi come te hanno saputo interpretare la contemporaneità ed il futuro con l’istinto feroce proprio dei geni.
Tu ci hai lasciato con un disco mostruoso, Blackstar, e dipingendo una stella di nero ci hai insegnato la differenza tra il colore e la luce.
| Emanuele Gessi

Ritorni sempre e ritornerai sempre.
Avevo dieci anni quando entrasti nella mia vita nelle vesti del re dei Goblin, ballando una Magic dance nel mezzo di un labirinto insieme a dei pupazzi stile Muppets.
Ci rincrociammo anni dopo attraverso la cover acustica di The Man who sold the world, realizzata in maniera magistrale da un mito della mia adolescenza Kurt Cobain, a tua detta migliore anche della tua originale.
Eri nell’atto finale prequel Twin Peaks: Fire Walk with Me di una delle prime serie televisive che mi aveva incollato allo schermo.
Poi ritornasti nella colonna sonora di un film Strade perdute che ho amato e che mi ha ispirato un sito di musica ma questa è un’altra storia.
Ci sei sempre stato dietro le colonne sonore di serie TV (Life on Mars, Ashes to ashes) e trasmissioni televisive perchè la tua attitudine di comporre canzoni pop è l’unica che si può paragonare a quella dei Beatles.
Poi sono stato io che ti ho cercato, c’è stato un periodo che ti ho studiato come si fa al liceo con un poeta o uno scrittore. Ho ascoltato tutta la tua discografia. Ho visto tutti i tuoi video. Ho visto tutti i tuoi film e così ho capito che ogni tuo disco era stato il prodromo di un genere che si sarebbe suonato cinque anni dopo. Ho scoperto i riferimenti letterari che si celavano dietro tue canzoni. Ma soprattuto ho amato le tue maschere, eredità della tua prima arte, quella del mimo e del teatro. Ecco tu hai portato il teatro nel mondo della canzone leggera e l’hai fatto nella maniera più artistica possibile. Il fatto di sconfiggere la morte con un ultimo disco uscito il giorno del tuo 69° compleanno non è stato altro che l’ultimo atto di una commedia del ritorno che è stata la tua vita nella mia vita, nella nostra vita. Da quel palco scenderemo tutti ma pochi sapranno lasciarlo come hai fatto tu. Ciao Ziggy.
| Vladimiro Vacca

Il contatto con le tue certezze non lo perdi mai in un colpo solo ma poco alla volta. Poco alla volta perdi tutto. Da quando inizi a perdere a quando hai perso tutto vivi in età strana, fatta di confusione e dettagli sfumati, rumori e feedback emozionali. In quella età stramba in cui iniziavo a sentirmi lo scarabocchio che sono ora, Bowie tirava fuori Outside.
Quale migliore colonna sonora alla mia confusione.
Di allora e di adesso.
| Cristiano D’anna

Sono del 74. Fatti due conti, appare evidente che la mia formazione musicale sia stata segnata dall’ultima rivoluzione che il rock abbia saputo innescare: il grunge. Se mi chiedete di Bowie, appare altrattanto evidente che Cobain mi abbia svelato il potere di una cover e la bellezza di Bowie. Sì, certo che parlo di The Man Who Sold The World e dell’Unplugged in New York. Ed è anche ovvio che da bambina il Duca Bianco mi abbia stregata con Labyrinth. Poi ci sono stati i Queen, i Placibo, gli Arcade Fire. Possono sembrare dettagli. Invece, no. Non era il mio artista preferito. Eppure, c’era. C’era sullo sfondo dei colori che mi sceglievo, che la vita mi sceglieva, qualche volta. Questo accade solo ai grandi. Esserci. Essere icone. Essere sostanza. Essere forma. Essere un linguaggio. Essere uno spirito del tempo. Essere un manifesto culturale ante litteram. Al di là dei ricordi, Bowie resta un mistero. Mi fa paura la sua sfida alla morte. Mi fa gelare il sangue la stesura della sua uscita di scena, come giocando a scacchi con la morte, vincendola nel modo più criptico e articolato possibile. Ha usato una forma di esoterico indovinello nella gestione degli ultimi giorni. Ha giocato con i simboli religiosi e con la sua stessa iconografia. Di fronte alla corruzione del proprio corpo ha innalzato la torre di un’immortalità così umana da stravolere.
| Amalia Dell’Osso

CLASSIFICA ITALIANA

1. Necroide – Bachi da Pietra
2. Protestantesima – Umberto Maria Giardini
3. L’arte della guerra vol.2 – Giuliano Dottori
4. Un paese ci vuole – Dimartino
5. Tu prenditi l’amore che vuoi e non chiederlo più – Cesare Basile
6. Fluttarn – C+C=Maxigross
7. Endkadenz vol.2 – Verdena
8. Endkadenz Vol.1 – Verdena
9. L’età più forte – Alessandro Grazian
10. Inflame rides – O.R.K
11. Flores – Iacampo
12. Ago – Lilies on mars
13. Film O Sound – Adriano Viterbini
14. Delone – Sacri Cuori
15. Cortar Todo – Zu
16. S/t – Il teatro degli orrori
17. Perfect Laughter – Sycamore Age
18. S/t – Notturno Americano
19. Egomostro – Colapesce
20. S/t – Todo Modo

CLASSIFICA STRANIERA

1. Hand. Cannot. Erase. – Steven Wilson
2. Currents – Tame Impala
3. B’lieve I’m goin down – Kurt Vile
4. Carrie & Lowell – Sufjan Stevens
5. How Big How Blue How Beautiful – Florence & The Machine
6. Love songs for robots – Patrick Watson
7. Grey Tickles, Black Pressure – John Grant
8. In Dream – Editors
9. I love you, Honeybear – Father John Misty
10. Panda Bear Meets the Grim Reaper – Panda Bear
11. Have You In My Wilderness – Julia Holter
12. Divers – Joanna Newsom
13. Rattle that lock – David Gilmour
14. Girls in Peacetime Want to Dance – Belle and Sebastian
15. The Story Of Sonny Boy Slim – Gary Clark Jr
16. Depression cherry – Beach House
17. Before We Forgot How To Dream – Soak
18. Music Complete – New Order
19. Abyss – Chelsea Wolfe
20. Restriction – Archive

Album Preferito Italiano 2015 – Sondaggio

Album Preferito Straniero 2015 – Sondaggio

CLASSIFICA ITALIANA

1. Earth Hotel – Paolo Benvegnù
2. L’arte della guerra Vol.1 – Giuliano Dottori
3. Per Tutti – Riccardo Sinigallia
4. Butterfly effect – A toys orchestra
5. Prenditi quello che meriti – Gnut
6. Nilla! Villa! – Matteo Toni
7. Circles – News for Lulu
8. Il padrone della festa – FabiSilvestriGrazzè
9. Così vicini – Cristina Donà
10. Surfin’ Gaza – Omosumo
11. Rapsodia satanica – Giardini di Mirò
12. Stavolta come mi ammazzerai? – Edda
13. Songs Of mountain stream – Carlot-ta
14. FolkRockaBoom – Il  Pan del diavolo
15. Una nave in una foresta – Subsonica
16. Earthbeat – Be forest
17. Ghosts – The vickers
18. Almanacco del giorno prima – Dente
19. Hai paura del buio 2014 special edition – Afterhours
20. L’amore finchè dura – Non voglio che Clara

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CLASSIFICA STRANIERA

1. s/t – St. Vincent
2. Everyday robots – Damon Albarn
3. My Favourite Faded Fantasy – Damien Rice
4. Caustic Love – Paolo Nutini
5. Tremors – Sohn
6. Lazaretto – Jack White
7. War on drugs – Lost in the Dream
8. The Classic – Joan ad police woman
9. The endless river – Pink floyd
10. Present tense – Wild beasts
11. Our Love – Caribou
12. After the disco – Broken bells
13. The Rave Tapes – Mogwai
14. Playland – Johnny Marr
15. In the silcence – Asgeir
16. Singles – Future islands
17. Magnolia – The Pineapple thief
18. Sun Structures – Temples
19. El Pintor – Interpol
20. Songs of Innocence – U2

Album Preferito Italiano 2014 – Sondaggio

Album Preferito Straniero 2014 – Sondaggio

Suggestions

Milano mi ha svegliato con il sole oggi. Dopo un caffè e una doccia rigeneratrice esco di casa con le cuffie nelle orecchie che mi rimandano l’intero album

photo Ilaria Magliocchetti Lombi

Hai paura del buio? – video diary reloaded

Hai paura del buio? – streaming Spotify

La musica è immortale, lo sappiamo tutti. Per questo serve la fotografia. L’immagine ha forse meno potenza emozionale della musica, permane nelle persone con meno facilità rispetto alla musica, ma l’immagine fotografica della realtà (o di una frazione di realtà) diventa complementare per comprendere la musica. Per comprendere cosa c’è oltre ed intorno ad essa.
Tra le foto dei grandi miti della musica, adoro perdermi in quegli scatti che hanno fermato un istante durante un live inquadrando anche il pubblico. Passo in rassegna i volti, l’abbigliamento, le pose, gli sguardi. Penso alle vite di ognuno di loro, cosa faranno ora? Forse qualcuno è morto e non sa nemmeno di essere esposto in una mostra. Qualcuno potrebbe aver rinnegato la sua gioventù, altri forse oggi mostrano con orgoglio quelle foto ai nipoti, per dire “io c’ero, e se vuoi ti racconto…”.

Nirvana: Punk to the people

Nelle fotografie c’è la storia, più che nella musica. C’è la società, ci sono i luoghi (che splendidi quei palchi fatiscenti, che incantevoli quelle stanze d’albergo che odorano di naftalina e tabacco).
Quindi è a questo che serve la fotografia d’autore nel rock, ad allargare lo spettro e inserire la musica in un contesto offrendo le prove della sua esistenza.
Senza la fotografia, senza le immagini, il mito della Seattle del grunge sarebbe poco più di una fiaba dalle tinte noir. Ed è proprio grazie alle immagini che in quegli incredibili e complessi anni a cavallo tra gli ’80 e i ’90 il grunge divenne mito. Furono i pantaloni strappati di Kurt Cobain, i suoi capelli biondi a coprirgli il volto, il suo corpo schiantato sulla batteria, il sorriso equino di Dave Grohl, il corpo sgraziato di Krist Novoselic curvo sul suo basso. Furono i locali bui e soffocanti dove si alternavano Mudhoney, Nirvana e Soundgarden, furono quei palchi sgangherati, furono i set dei videoclip, furono i lati “umani” degli scatti rubati alla routine.
Insieme alla piccola e dolcissima Frances Bean Cobain, Kurt è incantevole come un “padre qualsiasi”; i giovanissimi Soundgarden abbracciati come quattro ragazzini in gita scolastica incarnano quella normalità che rende il mito ancora più forte, perchè vero e reale.
Una foto, su tutte, mi ha colpito. Kurt sdraiato a terra, primo piano sul suo volto addormentato, leggermente fuori fuoco la sua chitarra stesa di fronte a lui; un asciugamano bianco candido a coprire e scaldare il sonno del mito del grunge.
Da sola quella fotografia infonde tenerezza, ma unita alla musica dei Nirvana riesce a trasportare in un mondo di incubi e contraddizioni che hanno sede nell’essenza dell’essere umano, completando la visione, rendendola più forte, e ancor più immortale.
Nirvana: Punk to the people è una mostra allestita alla Galleria ONO ARTE CONTEMPORANEA di Bologna, composta da diverse fotografie scattate da Charles Peterson, Kevin Mazur e Kirk Weddle. Non solo i Nirvana, ma una panoramica sul grunge nella quale sono presenti anche scatti che ritraggono Soundgarden e Mark Lanegan, oltre alla locandina ed alcune foto del concerto dei Nirvana a Baricella (BO) nel 1991. In mostra fino al 16 Febbraio 2014.

Lou Reed & The Velvet Underground: Steve Schapiro

Steve Schapiro è un fotografo sotto le cui lenti sono passati volti che hanno fatto la storia. La musica, il cinema, la politica: molto di ciò che ora è ricordato come “grande” è stato catturato dall’obbiettivo del fotografo newyorkese.
Lou Reed, insieme ai Velvet Underground, fu oggetto di alcuni magici scatti realizzati da Schapiro nella Grande Mela, nella seconda metà degli anni ’60.
I Velvet Underground, sotto l’ala forte ed ingombrante di Andy Warhol, divennero una band di successo anche grazie alla presenza della cantante Nico.
Molti dei tredici scatti che compongono la mostra fotografica ritraggono Lou Reed e Nico nella bellezza più naturale del dialogo, altri invece li vedono in posa insieme allo stesso Warhol con tutta la sua aurea misteriosa.
Scatti che conservano la bellezza di alcuni momenti incredibili, di un fermento artistico e culturale che probabilmente non ha trovato eguali fino ad oggi. La grande industria dell’arte che spicca e si espone con tutta la sua forza proprio anche grazie all’immagine della quale Warhol era un saggio conoscitore e visionario manipolatore. La musica dei Velvet Underground è nascosta sotto gli occhiali scuri e nei sorrisi discreti di Reed, nelle labbra di Nico, negli scuri palchi sui quali si esibisce la band.
Fotografie di grande qualità offrono uno sguardo raffinato sul mondo di Reed e dei Velvet Underground, grazie ad un occhio che magistralmente sa cogliere i dettagli, con un approccio cinematografico che esalta l’energia del protagonista.
Non è infatti stato il caso a volere che Schapiro è divenuto pochi anni dopo questi scatti il fotografo di scena de Il Padrino – parte terza, Taxi Driver e molti altri film della Paramount.
Questa allestita alla Galleria Ono non è una grande mostra in termini di quantità di materiale, ma certamente lo è per la qualità, che come è ovvio andrebbe gustata con calma soffermandosi su ogni scatto per lunghi minuti, al fine di assorbire i dettagli e le luci che con eleganza sanno stupire l’osservatore e trasmettergli le emozioni peculiari della grande fotografia.
Lou Reed & The Velvet Underground: Steve Schapiro è una mostra allestita alla Galleria ONO ARTE CONTEMPORANEA di Bologna. Tredici fotografie di uno dei più famosi ed influenti fotografi viventi, insieme ad altri scatti di Adam Ritchie, Lisa Law e Anton Perich. La mostra sarà visitabile fino al 28 Febbraio 2014.

LostHighways ama fermarsi agli incroci delle strade ed osservare. La strada della musica (a noi più affine e prediletta) è disseminata di incroci entusiasmanti. Oltre al cinema ed alla letteratura, sovente si può incontrare l’immagine, in tutte le sue forme. In uno di questi incroci abbiamo osservato il ricco lavoro di Gianluca Costantini, ci ha incuriosito ed infine proprio a lui abbiamo chiesto un passaggio. Curiosi, abbiamo domandato dei suoi progetti, delle evoluzioni del fumetto, cercando (e trovando) parallelismi con il mondo della musica.
Verso la fine del 2013, Giuda Edizioni ha pubblicato Cattive Abitudini, un volume nato dall’incontro di Gianluca Costantini con i testi di Emidio Clementi tratti dal penultimo album in studio dei Massimo Volume, uscito nel 2010. Da questo lavoro è iniziata la nostra chiacchierata.

Entrambi insegnate all’Accademia di Belle Arti di Bologna (“Arte del fumetto” per te, “Scrittura creativa” per Clementi) ma dubito che vi siate incontrati per la prima volta in aula docenti: quando vi siete conosciuti?
In verità è avvenuto proprio così: ci siamo conosciuti per la prima volta in Accademia. Mentre cercavamo di intrecciare le due materie, cosa poi sfociata nel progetto My Back Pages, abbiamo deciso di fare qualcosa insieme. Visto che funzionava con i ragazzi avrebbe potuto funzionare anche con noi.

Come è nata la collaborazione per Cattive abitudini, e su iniziativa di chi?
Io volevo realizzare un libro interamente da un album dei Massimo Volume, usando tutte le canzoni. Alla fine abbiamo scelto Cattive abitudini perchè aveva testi molto visionari e affascinanti.

Puoi raccontarci come si è sviluppato il lavoro? I testi dei brani ovviamente erano già pronti, con il loro carico di immaginario scaturito dalle canzoni, pertanto mi chiedo come ti sei mosso in questo campo (per niente sgombro) e se con Clementi c’è stato uno scambio durante il tuo lavoro oppure solo al termine.
Ho affrontato canzone per canzone, cambiando lo stile in modo da adattarsi alle parole. Le canzoni non sono semplici e i disegni non dovevano essere un banale accompagnamento alle parole. Emidio ogni tanto mi spiegava qualcosa, ma dopo un po’ il lavoro si è fuso facilmente.

Nei vari brani hai utilizzato differenti stili e tecniche: come sono nate queste scelte? Puoi farci un esempio?
In tutti i miei libri lo stile e la tecnica si adattano al contenuto del testo, queste canzoni avevano bisogno di disegni morbidi e caldi. Ci sono molte tecniche che vanno dalla matita alle foto, alla computer grafica. Non ci sono limiti.

Il tuo lavoro di fumettista ed illustratore si è incrociato altre volte con la musica in modo più o meno diretto. È recente la pubblicazione Bronson Drawings, ampia raccolta di tuoi disegni che raffigurano molti tra i tanti artisti/musicisti che hanno calcato il palco del Bronson di Madonna dell’Albero (RA). Com’è nato questo lavoro e perchè?
Circa due anni fa ho disegnato Maria Antonietta che suonava al Bronson, così per caso e divertimento. Il disegno è piaciuto molto e così abbiamo deciso di seguire le date dei concerti del locale con i disegni. Alla fine ne abbiamo fatto una selezione pubblicata in libro, ormai sono veramente tanti disegni.

In rete ho trovato un altro punto d’incontro tra il tuo tratto e la musica: This song is not a love song, un progetto originale ed interessante per il quale hai lavorato alla prima delle 28 pubblicazioni. Ce ne puoi parlare?
Sono stato contattato da Andrea Provinciali che stava organizzando questo progetto. Così ho potuto scegliere una canzone da una lunga lista (Heroes); sono sempre stato affascinato da David Bowie, dalla sua immagine e dai suoi testi… la scelta è stata semplice ed emotiva.

Il tuo lavoro, però, si concentra principalmente su una strada ben precisa quanto varia: l’attivismo grafico. Perchè per te è così importante il “graphic journalism”? Dove e quando è nata in te questa “necessità”?
Il mio lavoro in verità è un ibrido, non un vero e proprio graphic journalism. I miei disegni, che sono iniziati nel 2004, raccontano da lontano quello che avviene. Sono flash di notizie, spesso minori che prendono importanza grazie al disegno. Sono tutti raccolti nel sito Political Comics. Con l’arrivo dei social network poi questi disegni sono entrati nelle vite di chi veramente vive gli avvenimenti.

Giuda Edizioni è una tua creazione della quale sei anche direttore artistico. In cosa si distingue questo progetto editoriale? Cosa significa il motto “Arte è potere”?
In Giuda tutto è provocatorio, il disegno e i contenuti prendono strade strane e avventurose. Abbiamo pubblicato ormai più di venti titoli tutti molto diversi tra loro ma che sono accomunati dalla sperimentazione, sia narrativa che grafica. L’arte è rivoluzione, un potere alternativo al potere ufficiale, anche artistico.

La tecnologia, e le nuove possibilità che essa offre in termini di produzione e diffusione/fruizione, è vista nel mondo musicale in modo contrastante. Alcuni demonizzano tutto ciò che riguarda il download o lo streaming, per esempio, altri la considerano l’unica via. Tu sei molto presente ed attivo sul web, hai realizzato siti e piattaforme molto interessanti, e leggendo un’intervista (sempre online) datata 2001 sono venuto a conoscenza della pubblicazione di una raccolta di tue opere su CD-ROM, cosa che 13 anni fa era forse rivoluzionaria! Quale pensi sarà la strada del futuro per il fumetto?
Per quanto mi riguarda non è l’unica via ma una via alternativa. Quello che si pubblica on-line è molto diverso dalla pubblicazione cartacea. Il mio primo sito web è datato 1996, parliamo veramente di tanti anni fa, ed è proseguita con la bella esperienza di inguine.net con la quale abbiamo sperimentato la narrazione on-line del fumetto già dal 2000 in poi. Adesso per quanto mi riguarda molti progetti partono e rimangono solo on-line. Il mio intento è comunicare, e questo è lo strumento più veloce e diretto.
Sì, il cd-rom venne fatto dallo Sciacallo Elettronico tanti anni fa… fu molto avveniristico, in pochi lo capivano.

Il tuo ultimo lavoro pubblicato è Arrivederci, Berlinguer (BeccoGiallo, testi di Elettra Stamboulis) ed immagino non sia stato facile umanamente ed artisticamente rapportarsi ad un personaggio di tale rilievo. Cos’altro troveremo prossimamente sugli scaffali (o nel web)?
Sì, non è stato facile, ma è stato allo stesso tempo divertente. Si parlava parallelamente degli anni ’80 e, come saprai, sono stati anni strani e variegati. Molti progetti si stanno ora muovendo, l’ultimissimo ha come sito di riferimento www.untitled.org.uk. Si tratta di un racconto disegnato del mondo dell’arte contemporanea.

In questi ultimi tempi il fumetto sta ottenendo una sorta di riconoscimento pubblico e popolare: penso al recente successo commerciale di alcuni fumettisti italiani, penso al chiacchierìo intorno alla proposta di candidatura dell’ultima opera di Gipi al Premio Strega, penso alle tue rubriche tenute su diverse testate… ecc. Il fumetto sta uscendo dai soliti spazi. Vedi questo sviluppo come qualcosa di reale e profondo o forse, cinicamente, una “moda del momento”?
È sicuramente un momento vitale, spesso entusiasmante. Il fumetto sta avendo degli sviluppi impensati. Si può fare di tutto e c’è molta attenzione. Naturalmente ci sono anche delle brutte cose ma anche delle cose bellissime e nuove.
Per quanto mi riguarda, io sono un “artista” che si muove anche dentro il fumetto, a me interessa il disegno in tutte le sue forme e in questo momento sono molto dentro al fumetto perchè è molto vitale.

Cattive abitudini – anteprima

Bronson Drawings – anteprima