Ho ascoltato più volte il vostro nuovo ultimo disco, ma difficilmente riesco a ritenerlo tale. Secondo me è a tutti gli effetti un viaggio. Vero?
E’ forse una gita, una gita  sonora. Che parte dalle Ocarine di Budrio per arrivare all’Intonarumori Futurista, per poi attraversare paesi abbandonati abitati da strumenti dimenticati: il Pianoforte a Cristallo, l’Ondioline, il Cristallarmonio, l’Optigan, la Glassarmonica, la Sega Sonora, la Celesta che sono per noi ottimi compagni di viaggio e fondamentali per tracciare il nostro percorso sonoro sognante.

Qual è la meta? Valdazze è un (non)luogo, che va al di là della geografia. Ho l’impressione che tutti abbiano una loro privata e personale Valdazze: dove la possono trovare?
Valdazze, noto come il Villaggio del Cantante, è il luogo ideale per serate da intrattenimento,  un po’ come una seconda casa, dove ci si può ancora incantare, incontrare e lasciarsi  trasportare lontano dall’aria che profuma di indefinito, dove possono succedere cose inaspettate.

Quanti e quali bagagli? Cosa è indispensabile portare con sé nel viaggio?
La prima cosa  fondamentale è che a Valdazze ci si vada accompagnati da un Maestro di Cerimonia che ti aiuti nel sentirti cittadino del Villaggio, che ti guidi alla scoperta dei luoghi più misteriosi e nascosti.
In valigia si consiglia di portare sempre dei tarocchi perché, prima di prendere anche la più piccola decisione, è conveniente consultarli. Il terreno è insidioso e ci si potrebbe imbattere in cambi di tempo  repentini e sincopati.

Ok, deciso. Partiamo. Abbiamo detto che non sarà un viaggio in solitaria: chi altri incontreremo?
Ogni volta può succedere di incontrare cose e situazioni diverse, non è facile prevedere quello che ti può aspettare. Durante un’ultima visita in uno dei luoghi più suggestivi ed importanti, Via John Lennon (completamente immersa nel bosco però ufficializzata con tanto di cartello bicolore), mi è successo di sentire uno strano rumore avvicinarsi e trovarmi a tu per tu con una bellissima coppia di cervi al galoppo. Penso sia l’unica Via John Lennon al mondo che ti possa regalare un incontro così ravvicinato con tale specie animale.  Valdazze è un luogo imprevedibile e a volte anche incomprensibile…  in pieno stile Pianobar Futuristico.

Che paesaggi vedremo? Quali altre immagini dipingono questa “gita”?
Di solito la più bella immagine che si ha quando si passa un’intera giornata al Villaggio è quella dello specchietto retrovisore della tua auto, mentre stai tornando a casa. I personaggi che si possono incontrare a Valdazze nel periodo di alta stagione, cioè nel periodo delle grandi gite condominiali da Pianobar, sono i più vari, ma tutti legati da un’unica passione: il desiderio di condivisione e la capacità di creare grandi emozioni dal nulla.

Un viaggio sensoriale, nel quale il suono ha una enorme importanza, giusto? Che suoni cerca chi è diretto a Valdazze?
Il suono dominante è quello del vento silenzioso e dell’aria che Profuma di vuoto, tutto sembra muoversi in punta di piedi e in contromano. E’ per me una scuola del risveglio dei sensi e del suono, come  una scatola che ti regala una sorpresa infantile. La meraviglia del suono e la semplicità delle cose.

Valdazze è un sogno o a Valdazze si sogna?
Valdazze è il sogno del suonatore da Pianobar, che nasce dal sogno, e che accoglie gente che dal sogno vuole costruire la propria realtà.

In tutto ciò, dove sta Saturno?
Saturno sta nella gioiosa malinconia che arreda le strade e l’atmosfera del Villaggio, che dentro di sè alimenta  quella voglia di cambiare e ricercare un nuovo punto di partenza, almeno con la fantasia là dove la musica è la navicella spaziale che ti permette di viaggiare lontano.

Quindi a Valdazze esiste la malinconia?
Io Penso che sia stata inventata proprio lì, tra le vie del centro storico. Però è quel tipo di  malinconia gioiosa e surreale, contagiosa, che aiuta a pensare e ti fa sentire meglio. E’ il punto di partenza e il punto d’arrivo.

L’arrivo alla meta l’ho immaginato con una grande festa, dove tutti accorrono, ti accolgono come al ritorno di un fratello. Si fa baracca, si brinda. Come si intona un brindisi a Valdazze?
E’ d’obbligo che il brindisi a Valdazze venga introdotto dall’Intonarumori, il simbolo della libertà musicale dove l’equivoco può diventare univocità, un messaggio dalla forza disarmante che fa capire che le grandi cose  nascono  spesso dalla condivisione e dalla casualità dell’incontro. E dove ti torna voglia di ascoltare. Perchè  a Valdazze tutti hanno diritto di cantare, ma sottovoce.

Tra noi – Preview

A voi: MySpace

Poiché anche io sono originaria degli stessi luoghi, mi interessa sapere che rapporto hai con le Marche e con Pesaro. Quali sono secondo te gli aspetti positivi e negativi del vivere lì? Anche in riferimento al fruire e al fare musica, si intende…
Io amo molto le Marche e la mia città Pesaro. Si vive bene qui. Soprattutto se sei poco mondano. Per suonare le situazioni non mancano, anche se forse a Pesaro (paradossalmente la città con la più alta densità di musicisti delle Marche) non esistono sostanzialmente locali per fare musica, giusto un paio. Però c’è un negozio di dischi,libri e molto altro fantastico gestito da Mirko dei Camillas, e quel posto riequilibra decisamente la situazione.

Cosa c’è in te di Maria Antonietta, moglie di Luigi XVI? Io ho riconosciuto nelle tue canzoni, quindi in te, alcuni aspetti che le appartenevano. Si dice che, a corte, per noia, si dette ad una vita piuttosto frivola come del resto sono noti la dignità e il coraggio con cui affrontò il patibolo. Gli stessi con cui tu ti sei messa a nudo in questo album…
Sì, Maria Antonietta fu una grande incompresa e, come dico in una canzone, la prova di come “il mondo ti metta al rogo in ogni caso”. Non lo dico per lamentarmi, è una constatazione di come sia improbabile a questo mondo la comprensione. Se ho scritto questo disco però è perché ho ancora la speranza, e i tanti messaggi che ho ricevuto me lo hanno confermato, di poter condividere qualcosa di vero con le persone che mi stanno intorno. Ci vuole molto impegno, ma io sono abituata ad impegnarmi.

Colpisce la tua scrittura laconica ed aspra. Quali sono i tuoi autori di riferimento? Poeti e narratori sicuramente, ma anche i cantautori possono influenzare uno stile…
Direi Guido Gozzano su tutti. Eterno.

Ho letto sulla tua pagina Facebook che presto usciranno le date dei prossimi concerti. Che cosa ti aspetti da questo tour, come vuoi vivere questa nuova fase della tua vita?
Da questo tour mi aspetto innanzitutto la soddisfazione e la gioia di suonare con la mia squadra e non più da sola, quindi con i miei fidati soci Damiano Simoncini (batteria) e Lorenzo Pizzorno (basso). Questa fase nuova e bella della mia vita voglio viverla con persone altrettanto belle.

Come si vede Maria Antonietta fra dieci anni, in privato e nella musica? Insomma, quali sono i sogni di Letizia Cesarini?
I miei sogni per il futuro: scrivere ancora dischi, bei dischi, collaborare con musicisti molto più bravi di me ma soprattutto avere una bella famiglia perché sono le persone che ti rendono felice, non la musica. Non è la musica che ti aspetta la sera a casa, che ti abbraccia quando sei stanco e deluso, che ti cucina il tuo piatto preferito, che ti scalda sotto le coperte quando ti addormenti la sera. La musica aiuta tantissimo e scrivere e cantare e suonare e ascoltare la musica di altri ti riempie la vita, ti fa sentire realizzato ma non ti rende felice.

A conclusione del 2011, LH, come ogni rivista musicale che si rispetti, ha stilato una classifica dei dieci album italiani e stranieri migliori dell’anno e che è stata in seguito modificata dai lettori. A te ne chiedo uno, per entrambe le classifiche…
Album italiano 2011: quello dei Dadamatto; straniero Let England shake di PJ Harvey.

Quanto eri bello – Preview

Quanto eri bello – Video

Grazie a Gianluigi per la preziosa collaborazione.

Giuliano Dottori tornerà in Campania giovedì 26 gennaio, al Doria 83 del Vomero (NA), per la precisione. Proseguirà il suo tour toccando Roma (Aleph, il 27) e Firenze (Lo Fai Lo Fi, il 28). E andrà avanti fino e febbraio e marzo, in giro per la Penisola: info al sito ufficiale www.giulianodottori.it

“Non vale la pena avere la libertà se questo non implica avere la libertà di sbagliare”. Ti ritrovi in questa massima di Gandhi? Better mistakes è il titolo del tuo secondo lavoro discografico. Qual è stato il tuo peggiore e migliore sbaglio?
Sbagliare fa parte della vita così come perdere la partita o vincerla. E’ come si gioca, però, che fa la differenza. Di chi non fa errori, o almeno dice di non farne, non mi fido  e ovviamente il titolo parte da un paradosso, quello di “imparare a fare errori  migliori” e, a parte il gioco di parole, l’ho pensato come una riflessione sul come la società e l’individuo siano in lotta da sempre. Si parte degli errori perchè aiutano a capire.
Le canzoni del disco sono come delle short stories su queste riflessioni bagnate da visioni cinematografiche e romantiche.

Sei andato a vivere a Berlino ed hai registrato parti del disco ad Amsterdam. Perché hai scelto di lasciare la tua Genova? Nel caso di Berlino hai voluto seguire le orme di Bowie, uno dei tuoi massimi referenti musicali? E raccontaci in poche istantanee  la città di Cosi lontano, cosi vicino…
Per quanto mi riguarda, credo nell’uomo in viaggio e nello stare a contatto con ciò che interessa a livello di anima.  Ovviamente non tutti si possono permettere una scelta simile, penso faccia parte del percorso esistenziale. Io mi sono nutrito e mi nutro del mondo latino ma anche del mondo anglossassone e mittleuropeo, e quindi berlino è stata una scelta naturale, penso che starò qui per un po’.
Bowie…  come si può dimenticare? Ma anche Kurt Weill,  la musica eletronica e il cabaret sono grandi suggestioni. La prima volta che sono stato a Berlino era il 1985 e ho sempre avuto contatti con la città, poi come Marti siamo andati a promuovere l’album in Germania e mi sono detto che non potevo perdere questa occasione e mi sono fermato qui, in una metropolis a misura d’uomo dove posso confrontarmi con tante persone di tutto il mondo e stare al centro di ciò che mi interessa. Penso che sia una città dinamica e dalle mille facce. Das ist Berlin.
Ps: genovesi si nasce e si muore.

Quali sono le principali differenze di Better mistakes rispetto ad Unmade Beds?
L’idea di partenza era di non rifare Unmade Beds 2 ma di andare ad esplorare qualcosa di diverso, altrimenti non avrebbe avuto senso per me, poi quando si inizia un disco non si sa veramente dove si andrà a parare, proprio come un film o come uno spettacolo teatrale.  Come creativo cerco sempre di lavorare con il mio produttore artistico e vedere cosa possiamo fare assieme, cioè non parto con l’ idea predefinita. L’occasione di lavorare con Bob Rose, celeberrimo produttore americano e grande arrangiatore d’orchestra, mi ha permesso di esplorare la classicità della canzone, cosa che aspettavo da tempo. I brani di Better Mistakes sono molto più strutturati e quindi questo ha aiutato molto. L’esperienza del disco è stata fantastica perchè abbiamo avuto l’opportunità di registare in modo classico in un grandissimo studio (I wisseloord ad Amsterdam) ed avere ottimi ospiti, come Clive Deamer, e un’intera orchestra a disposizione. Quindi u’esperienza indimenticabile che ho fatto con i due miei compagni di viaggio, musicisti straordinari che mi seguono da sempre:  Simone Maggi e Claudia Natili.

Quale film del passato poteva avere Better Mistakes come perfetta colonna sonora?
Ti rispondo indirettamente dicendo che prima di registare il disco, cioè nella fase di composizione, ho fatto varie full immersion di autori per me fondamentali.  Il mio punto di riferimento è John Cassavetes. Autore che ho approfondito tantissimo diventando anche grande amico di Leila Goldoni che è stata sua complice e protagonista di Shadows, poi ho visto tantissimi Fassbinder e noir anni 30-40, film di Melville e alcuni musical, film di Jacques Demy e  sempre David Lynch. Quindi  ci sono vari temi e stili che mi hanno influenzato profondamente.

Ti senti più attore o cantautore?
Per me non c’è una grossa differenza, cerco di essere creativo. La vita mi spinge verso ciò che mi influenza o che mi ha segnato profondamente. Come creatore di musica sono anche direttore di un flusso creativo su vari campi, come attore cerchi di incanalare tutti questi flussi in uno solo ma poi dipende molto da chi sei e come pensi, come in tutte le cose della vita.  Dipende anche in che momento vivi e in che paese. C    omunque finchè potrò e sarà una cosa organica per me, andrò avanti a dire le mie cose nei modi che mi saranno possibili.

Attraversando le tue canzoni mi  hanno colpito due temi principalmente: Il ritorno e l’amore. Me ne parli?
Scriverei un poema o altri tre album per rispondere, allora uso due citazioni: “Si lascia alle spalle qualunque cosa ma mai se stessi”, “L’amore è tutto ciò di qui abbiamo bisogno”.

Non posso fare a meno di chiederti della collaborazione con Francesco Bianconi dei  Baustelle per la versione italiana di The price we pay?
Francesco è un caro amico e ci conosciamo ormai da diversi anni, lo stimo immensamente e sono stato felicissimo di questa collaborazione. Volendo fare la mia prima cosa in italiano ho pensato a lui. Il testo a parer mio è stupendo… “questa disarmonica musica sinfonica siamo io e te”.

Ascoltando Per Pochi attimi sembra di sentire un omaggio a Tenco nell’attitudine  al canto. E’ una mia suggestione errata?
Intanto ti ringrazio per l’accostamento. Anche se da new waver magari non si direbbe, Tenco lo ascolto tanto, anche da prima che venisse semi-riscoperto, soprattutto grazie a mio fratello Aldo che mi ha regalato tantissimi suoi vinili. Diciamo che accostando testi in italiano alle sonorità di Better Mistakes tocca quel mondo e ne sono onorato, anche grazie al bellissimo testo donatomi da Francesco Bianconi col quale spero di collaborare ancora in futuro. Tenco rimane insuperabile, mi sembra che, a parte qualche autore nei primi anni 80′ (Garbo-Faust’O-Battiato), la musica d’autore italiana abbia toccato il massimo in quel periodo.

Hai mai pensato di fare un film sulla vita di Gian Maria Volontè? Gli assomigli moltissimo…
Parto dall’enorme, infinito rispetto per Volontè che considero uno dei piu grandi artisti italiani del 900. Il suo rigore, la sua arte e la sua poetica sono davanti agli occhi di tutti e adesso che siamo distanti dalla fastidiosa etichetta di attore “impegnato” (sembra sia un problema essere seri in questo Paese) è chiaro che la sua opera sia immensa. Fare un film o uno sceneggiato su di lui sarebbe stupendo, ma bisognerebbe farlo con estrema attenzione ed esserne all’altezza. Sarebbe una sfida sia per l’attore che per gli sceneggiatori e  il regista.

Dalla Green FOG Records dei Meganoidi alla canadese FOD Records. Che differenza c’è tra una indie-label italiana ed una straniera per un progetto come il tuo?
Ringrazierò sempre la Greenfog perchè abbiamo avuto un rapporto eccellente,  la Fod è anche essa indipendente ma essendo internazionale il disco fisicamente lo puoi trovare in Germania, Austria,UK, ecc.. ed è un enorme passo avanti,  visto che c’è la possibilità di farsi vedere in tanti posti ed essere consoderati un “”act” europeo.
Il disco invece come oggetto culturale è stato distrutto e si deve ripensare per recuperarlo in qualche modo. Penso si debba reinventarlo ma non si capisce come, visto che tutti downlodano gratis. Mi sembra che i Radiohead siano stati gli unici a proporre qualcosa di nuovo. Io per il futuro vorrei fare un disco e relativo video per ogni traccia ma sono sul piano teorico, nella vita privata scopro ancora musica su vinile che rimane la mia passione.

Cinque canzoni del passato a cui sei legato per particolari motivi?
Breakfast -  The Associates: una  band e una canzone a cui sono legatissimo. Ho una passione per Billy Mackenzie. Questo brano è Fassbinder oltre Fassbinder. Melodramma puro. Chissà se qualcuno se la ricorda. Io la ascoltavo con mia madre mentre facevo colazione nell’85, per me rimane indimenticabile. Il piu grande cantante degli anni 80.
Shake the disease – Depeche Mode: grande canzone, una delle loro migliori. È mia e di altre 100 milioni di persone. Martin Gore, sei l’incoscio colletivo. Jung sei tu.
Torch – Soft Cell: la ascolto dall’82, ha qualcosa di magico come i loro album. Sono i miei anni 80, neri come il mascara.
Un anno d’amore – Nino Ferrer: una canzone in italiano perfetta, scritta da un cantautore genovese che si è ingiustamente dimenticato. Lo ammiro e sono fiero di essere suo concittadino. Un amico, anche lui fan, mi ha detto che Nino fuori della sua villa vicino a Nizza pare avesse un cartello con scritto: “qui sono a casa mia e ospito neri, drogati, ebrei e puttane e cago in faccia a tutti gli altri”.
Per la quinta canzone baro e  metto una facciata di una cassetta c90 con:
A man alone – Frank Sinatra
Il clan dei siciliani - Ennio Morricone
I only have eyes for you – The flamingos
Gentlemen take polaroids – Japan
tutto Low di Bowie

Cos’è la notte?
Lascio che parli lui. Bardamu: “La vita è questo, una scheggia di luce che finisce nella notte”,  Louis Ferdinand Céline

The Return Of The Dishwasher – Preview

Con una band all’esordio è bene partire dal principio, del quale Things.Yes è forse solo l’effetto; dove e come sono nati gli M+A?
Alessandro: Ci siamo conosciuti nell’estate 2009 e abbiamo iniziato a suonare insieme dall’inverno dello stesso anno. Prima di M+A avevamo entrambi altri gruppi. È stato un po’ come un colpo di fulmine. Ci siamo sentiti, ci siamo piaciuti, e abbiamo iniziato subito a trovarci per buttare giù qualcosa. Inaspettatamente tutto si è mosso a grande velocità. Abbiamo cominciato mandandoci mail con le nostre canzoni, io spedivo un pezzo a Michele e lui ci aggiungeva altro materiale e viceversa, componendo così i pezzi quasi su internet. Poi, quando ci siamo accorti che il materiale iniziava a diventare considerevole, abbiamo deciso di registrare tutto per i fatti nostri nella mia soffitta. Nel giro di due mesi avevamo già abbastanza brani per un album e da lì abbiamo alternato le registrazioni ai live in giro per l’Italia. Tutto questo l’abbiamo fatto cercando di evitare la forma del gruppo, stando ognuno sulla propria linea, rimanendo paralleli ma imparando a trovare punti di contatto.

Fa sempre “scalpore” quando un giovanissimo trova successo o anche solo riscontro largamente positivo. Nella vostra esperienza, come sta giocando questo fattore?
Michele: Ci è completamente scivolato addosso. L’importante è fare cose giovani; con “giovani” intendo dire due cose: che non sentano di avere una scadenza e che siano dinamiche. E quando si è giovani è un po’ così. Verificare l’età è un’ispezione che andrebbe fatta al lavoro eseguito, non alla persona. Anche io mi informo per sapere l’età di un artista che ha fatto delle cose incredibili, però mi rendo conto che lo faccio solo per duellare. E a volte questa imitazione competitiva serve molto. In molte recensioni mi è anche capitato di leggere:”Se Monotreme li ha scelti ci sarà un motivo!” e questo mi fa più pensare ad un modo per giustificare un qualcosa che non sembra avere giustificazioni. Siamo giovani, abbiamo trovato una buona etichetta… ok, ma l’album? Però capisco la tendenza, e la capisco ancora di più pensando al fatto che spesso non si ascoltano le cose, o non si sa ascoltarle. Per tornare al discorso dell’età, quando l’anno scorso vidi Film-Socialisme pensai immediatamente: ”Finalmente un giovane che fa qualcosa di buono!”.
Alessandro: Non mi sono mai sentito questa supergioventù addosso. Tutti i miei amici e compagni che suonano hanno quest’età. E soprattutto tutti gli artisti che ascolto (o che ho ascoltato) hanno sempre pubblicato i primi album a quest’età. Credo sia la normalità, no? Niente per cui stupirsi ormai. Forse l’essere giovani può portare a fare cose un po’ più imperfette, ma questo credo giochi a nostro vantaggio.

Come sono nati i brani di Things.Yes? Si tratta di una raccolta di pezzi nati nel tempo o frutto di un progetto ben preciso per creare quest’album?
Michele: Things.yes è il pacchetto compiuto di un sacco di cose irrisolte. E’ la via di mezzo che abbiamo trovato per uscire con un album nuovo senza che lo fosse realmente. Quindi entrambe le cose che dici: è sia una raccolta raffazzonata che un progetto per mascherarla.

Il vostro disco ha trovato il giusto spazio in un’etichetta inglese: scelta o mancanza di alternative in Italia?
Alessandro: Ormai verrebbe facile rispondere con qualche frecciatina da amaro in bocca… semplicemente la nostra musica non è da Italia. Abbiamo ricevuto riscontri da etichette estere solo perché la nostra musica è più adatta ad un mercato estero. In Italia non ci sono etichette valide che promuovono questo genere di musica, quindi se comunque vuoi farlo devi rivolgerti all’estero. Non diciamo questo come se fosse un lamento: è un dato di fatto, una cosa oggettiva. Non è che l’estero sia il paradiso dove tutto è perfetto, semplicemente non avevamo scelta.

In un’altra vostra intervista ho letto che avete inviato il demo ad una ristretta cerchia di etichette, quelle che stimate maggiormente. Ho l’impressione che questo comportamento sia un po’ un’eccezione e che molti giovani spesso ricorrano alla pratica che nella pesca si chiama “pasturare”. Senza voler scegliere una direzione, lanciano l’esca a tutti sperando di attirare attenzione, e che qualcuno abbocchi… perchè per voi è stato diverso?
Alessandro: Oddio non è che per noi sia stato diverso, semplicemente mi sembra un comportamento ovvio. Se fai un certo tipo di musica cerchi quelle etichette che promuovono un certo tipo di musica. “Pasturare” in tutte le direzioni mi sembra, oltre che stupido, uno spreco di tempo. Meglio aspettare un po’ e vedere dove sono i pesci migliori piuttosto che lanciare a caso in tutto il lago. Ormai esistono così tante etichette indipendenti che qualcuno che ti dà una mano lo trovi anche se non ti impegni. Credo che l’importante sia trovare uno che oltre a darti una mano la pensi come te.

Elettronica ma non troppo, pop ma non troppo, eleganti ma non troppo, freschi ma non troppo. In Things.Yes regna un equilibrio difficilmente affiancabile alla parola “esordio”. Quali sono i vostri riferimenti musicali?
Michele: Diciamo che quel “non troppo” è anche la chiave di lettura del nostro modus operandi. Abbiamo sempre cercato di fare un pop illegittimo che avesse a che fare con il pop senza mai riconoscerlo. Se ascolti un qualsiasi nostro pezzo senti sempre molte informazioni che s’inceppano. Una voce pop che difficilmente potrai cantare sotto la doccia perché non ha un testo, mille melodie che difficilmente ricorderai per le tante ne hai sentite nella frazione di un secondo. E’ un po’ un contrappasso: dal pop che fa l’occhiolino al pop che stordisce. Per quanto riguarda i riferimenti, ultimamente non abbiamo gruppi abitudinari e se vogliamo parlare di influenze non possiamo fermarci alla musica. E’ mania di molti recensori quella di condensare tutto sotto l’egida musicale. Il debito che abbiamo nei confronti di ciò che facciamo è sì musicale, ma non solo. Rispondere alla domanda, in questo caso, è togliere i riferimenti al monopolio della musica. Questa monomania in realtà è estranea a qualsiasi musicista, e a qualsiasi persona. Per farti un esempio, ho un debito verso molti cantanti, ma le deformazioni linguistiche dei nostri testi hanno un debito più dirompente nei confronti del Grammelot piuttosto che dello Scat.
Alessandro: Molti pezzi presenti nell’album sono stati composti a distanza di anni. Per esempio (we) è stato uno dei nostri primi pezzi ed è stato composto quasi due anni fa: alcune canzoni portano in grembo influenze di periodi passati. In più siamo anche due persone che cambiano ascolti continuamente; non siamo fanatici di liste di nomi nè siamo come quei “collezionisti” che non si fanno scappare un’uscita. Abbiamo uno strano rapporto con la musica che ascoltiamo, non riusciamo a farne a meno, ne ascoltiamo tantissima, ma allo stesso tempo la trattiamo come un semplice dato. Saltiamo da un genere ad un altro senza nessuna etica, ma solo perché ci viene spontaneo. Non riusciamo a stare fermi su un unico genere e così poi finisce che ogni pezzo diventi una macedonia con tante piccole influenze. Quando Things.yes è stato composto (più di un anno fa) ascoltavamo da Jamiroquai a Chet Baker, da Snoop dogg e M.I.A a Bohren & Der Club Of Gore, da Bonobo a Sakamoto. Ma chiaramente ci sono anche tutti quei gruppi con i quali siamo cresciuti e che da sempre influenzano i nostri lavori. Per accennarne qualcuno: Phoenix, Air, Sparklehorse, Kings of convenience, Sufjan Stevens, Telepopmusic. Insomma l’abc, niente di nuovo sotto al sole.

Nel vostro progetto noto anche un equilibrio/contrapposizione tra modernità e classicità. Da una parte la musica elettronica e la sua ovvia fruizione digitale, dall’altra un disco che è curatissimo anche nella sua produzione fisica, una versione vinile, un artwork dalle tinte tenui con un fascino retrò (“ma non troppo”, come prima). Semplici contenitori o complementi di un progetto totale?
Alessandro: Come diciamo spesso, la forma fa il contenuto, e soprattutto la forma fa parte del contenuto. Fin da quando ci siamo incontrati per noi M+A è stato un progetto che non si fermava solo alla musica, per questo sul nostro sito trovi anche le mie illustrazioni e altre cose non legate direttamente alla musica. Abbiamo sempre stampato magliette senza il nostro nome per slegarci dall’idea “magliette del gruppo” e avvicinarci all’idea, molto più interessante, “magliette che fa il gruppo”. Tutto questo atteggiamento ha influenzato il merchandise in cui la “firma” M+A viene abolita. Fondamentalmente, dal momento stesso in cui pensi ad una maglia bella, la indirizzi verso un mercato che viaggia a prescindere dal gruppo. Uno dovrebbe sentirsi libero di comprare una maglietta bella anche se la musica del gruppo fa schifo e viceversa.
Non ho mai ben capito perché a molta gente riesca difficile credere che l’estetica sia un valore fondamentale (e positivo) in ogni cosa.

Quanta importanza ha per voi l’esecuzione live? Fedele riproduzione del disco o altro?
Michele: Tendenzialmente preferiamo stare in studio, ma anche la preparazione del live è un ottimo laboratorio. Le cose si compensano. Non è un caso che molti pezzi di Things.Yes vengano fuori dalle prove che abbiamo fatto nel 2010 per imbastire il live set. Però ecco, il live e il disco non devono per forza collimare fra loro. Nel tour che faremo a Marzo saremo più fedeli del solito al disco, però l’idea di base rimane sempre la stessa: abbiamo un canovaccio sul quale creare ogni volta cose diverse.

Una volta vedevo delle parentesi “(M+A)”… ora non ci sono più. Dove sono finite?
M+A: Ad un certo punto uno deve smettere di mettersi tra parentesi, soprattutto se ha intenzione di conquistare il mondo.

Ly – Preview

Eccoci. Finalmente.
Alle 7.30 p.m. in punto i Cure terranno un live show molto atteso. Unica data in Europa. Londra.Un vero e proprio omaggio. Dedicato e rivolto a quei sostenitori intramontabili, agli innamorati di sempre.
I tagliandi per questo mirabile evento sono andati venduti in poco meno di 3 minuti. On line. Tutto esaurito.  In ogni ordine di posto. Eppure ci siamo. Assolutamente assorbiti. Tra i fortunatissimi. Dalla delicata grazia del grande avvenimento.
Gli individui intorno, seriosi e composti, guadagnano l’ingresso. Biglietto alla mano, seguiamo le indicazioni precise su di esso riportate. Door 9 – Stalls L – Row 9 – Seat 116.
Impossibile non farsi ammaliare dal corridoio che conduce all’atrio dell’auditorium.
Fanno mostra di sé le fotografie, epigrafate e in cornice, di tutti i più grandi artisti cui si possa pensare.
Una volta dentro, l’impatto è devastante. Immanenza perpetua. Un senso di vertigine misto a distensione e pace. Il tipico vivo brusio, la meraviglia sgranata, si compiacciono vicendevolmente. Nei commenti entusiastici. In “Wow” sospinti da trepidazione.
Il palco è scarno e dannatamente scheletrico. Sullo sfondo trionfa il celeberrimo organo della RAH. Il secondo fra i più grandi del mondo.
I Cure eseguiranno integralmente i loro primi tre lavori. Seguiranno filologicamente tutto il corso del primo triennio di attività. Dal 1979 al 1981. Utilizzeranno amplificazione, strumentazione e scenografia distinte. Per appartenenza e riferimento alle succitate epoche. Alle diversificate line up dei tre specifici periodi in questione. La scaletta del concerto è evidentemente nota. Ricalcherà compiutamente la selezione ordinata delle tracce presenti sui tre Album.
Pertanto, per Three Imaginary Boys [1979], salirà sul palcoscenico la primissima formazione. “The Cure Trio” > Robert Smith:  Vocals & Guitar / Simon Gallup: Bass / Jason Cooper: Drums.
Per Seventeen Seconds [1980], “The Cure Quartet”  >  Robert Smith: Vocals & Guitar / Simon Gallup: Bass / Jason Cooper: Drums / Roger O’Donnell: Keys.
In fine, per Faith [1981], “The Cure Quintet” > Robert Smith: Vocals & Guitar / Simon Gallup: Bass / Jason Cooper: Drums / Roger O’Donnell: Keys & Percussion / Laurence Tolhurst: Keys & Percussion.
Previsti “Encore Set” del periodo.
I Cure avevano già preparato i fans ad esperienze propedeutiche. Basti ricordare la magnifica doppia data al Tempodrom di Berlino. 11 e 12 Novembre 2002. Assolsero allora perfettamente la cosiddetta “Trilogia”. Suonando rispettivamente tutto Pornography [1982], Disintegration [1989] e Bloodflowers [2000].
Ma questa volta è davvero diverso. Non è proprio un “concerto” come tutti gli altri. Lo percepiamo. E pensiamo. “Per riproporre il primo disco, a più di 30 anni di distanza, ci vuole fegato. Ci deve essere una coerenza disarmante. Immaginare di identificarsi ancora nei contenuti, non solo musicali, di quando si aveva 20 anni. Cantarli ed interpretarli con travolgente sentimento a 52”. Ma queste sono solo “irrilevanti” disquisizioni fra noi. Perché ad un certo punto le luci sempre più soffuse si spengono. Il buio aiuta. Ci si sveste dell’habitus da “teatro” e si comincia a rabbrividire.
Urla, applausi, fischi, ululati. Fermento puro. Tutti in piedi. Boato quando Smith, Gallup e Cooper raggiungono il palco. Sono davvero in tre. Impossibile crederci. Proprio come 32 anni fa*.
Smith al microfono spende solo queste parole: “Questo è il 1979”.
Attaccano 10:15 Saturday Night. Una violenta energia. Esecuzione impeccabile. Suono cristallino.  Essenziale. Una cattiveria impressionante. Voce intramontabile. Una vera macchina del tempo. Nessuna altra parola. Finisce una canzone, ne comincia un’altra. In perfetta collocazione discografica. Nessun dettaglio tralasciato. Da Foxy Lady di Hendrix a The Weedy Burton, ghost track dell’edizione originale di Three Imaginary Boys datata 5 Maggio 1979.

Pausa.
Dopo circa 40 minuti di set. Si riaccendono le luci in sala. Ci si muove per una pinta o per guadagnare i servizi. Incrociando gli sguardi ancora attoniti (appare quasi irriverente parlare) ci si rende conto di aver assistito a qualcosa di irripetibile. Dalla propria stanzetta, consumando cassette su cassette, alla Royal Albert Hall. Ad ascoltare – ipnotizzati – un album pazzesco.
E’ oramai passato qualche minuto. Ci si riversa sui posti riservati. Personalmente, Subway Song continua a tormentarmi. Seven Nation Army dei White Stripes, oggi lo confermo più che mai, è un suo puro plagio.

Ennesimo ingresso della band. Questa volta in quattro. O’Donnell è già in posizione dietro la tastiera. Questo set presenta luci più dure ed un effetto fumo persistente. Ovviamente la prima è A Reflection. Canzone “istituzionale” che suggerisce il titolo all’intero spettacolo. Play For Today con tutta la RAH che fa il coro è indescrivibile. Secrets, In Your House, Three, sembrano un corpo unico.  I tessuti sonori sono infallibili.  Mentre sta per finire The Final Sound in molti sappiamo già cosa sta per accadere.
Siamo di fronte alla realizzazione di un sogno. Difficile da spiegare cosa significhi ascoltare A Forest fra The Final Sound ed M. Come un singhiozzo sordo. Una pura specie di malinconia. Ti passano davanti significative “polaroid”. At Night un vero capolavoro. Chitarra dissonante e basso distorto si rispondono come sempre. Si trovano. Il ritmo cadenzato e batodico non varia mai. A questo punto lo show ha davvero toccato l’akme. Quando Smith canta “Someone has to be there” c’è solo poesia.
Davvero l’oscurità che respira. Tutti danzano in un proprio soliloquio interiore. Spettacolare. Il punto è che qui non si tratta di ascoltare soltanto le canzoni di una band che ami. Qui c’è molto di più. Il coinvolgimento è complessamente autobiografico per la maggior parte dei presenti. Lo si può toccare. Si vedono lacrime scorrere. Ghigni sofferti e liberazione.
Seventeen Seconds viene annunciata. E’ la linea di mezzo di questo intimissimo viaggio.
Questo secondo atto è un abisso metafisico. Una linea profondissima tiene insieme tutta l’esecuzione.
Visibilio commosso.

Seconda pausa.
“Queste luci non ci volevano proprio”. Siamo tutti smascherati. Non sono sicuro che una pinta possa bastare. Tutto troppo carico. Un concentrato denso di violenza, energia, delicatezza e versi.

Ecco arriva il fosco e primitivo momento. Ulteriore ingresso dei “Cinque” Cure. Il pubblico non ha ancora propriamente raggiunto i posti. C’è anche Tolhurst. Particolarissimo e sinistro personaggio. Membro fondatore dei Cure dal 1976 e batterista, percussionista, tastierista, fino alla fine degli anni 80. Riappare con Smith e soci nuovamente per il Vivid LIVE. Un festival musicale che si è tenuto il 31 Maggio e  il 1 Giugno 2011 al Sydney Opera House. Quella è stata la prima vera cornice all’interno della quale la filologia “The Cure – Reflections” sia stata mai eseguita.
E’ il momento del 1981. Quindi di Faith. Album tenebroso. The Holy Hour ne è immagine perfetta. Quanto è difficile “attaccare” con un pezzo così? Subito dopo Primary. Uptime convulsivo e potente. Uno fra i pezzi più ricorrenti nei live dei Cure. All Cats Are Grey è maestosità. Quell’organo sullo sfondo. Nebbia fitta sul palco. Luce cobalto penetrante. Smith, come in The Funeral Party, canta soltanto. Non capita sovente. E quando succede, si sente profondamente. Linee come “I never thought that I would find myself [...] In the death cell a single note rings on and on”, quasi spaventano. La conclusione dell’esecuzione è affidata a Tolhurst. Note gravissime di pianoforte riverberato. Un tripudio. Contrastato freneticamente da Doubt.
La soffertissima The Drowning Man nei suoi quasi sei minuti di alienazione ritmica e poi Faith. La pagina emotiva di Faith è un dono tra i più delicati. Poco meno di Sette minuti dilatatissimi. Uno squarcio di eternità per i fans.  Questa canzone è un inno. Sin dal suo primo verso. Fin dentro gli argini di ogni strofa. “Catch me if I fall / I’m losing hold / I can’t just carry on this way /And every time / I turn away / Lose another blind game /The idea of perfection holds me / Suddenly I see you change / Everything at once / The same / But the mountain never moves / [...] I went away alone / With nothing left / But Faith”. La chiusura è rituale. Un lento implodere fino all’ultimo sospiratissimo colpo di cassa.
Restiamo tutti ammutoliti. E’ il ringraziamento composto, autentico e coinvolto di Smith che ci sveglia dal vagheggiamento. Meraviglioso. Non bastano certo tutti gli applausi. E’ una standing ovation colossale. Totale ammirazione. Non vorremmo lasciarli andare. Il terzo atto è concluso. Euforia.

Non è ancora finita.

La pausa non è più lunga delle altre. I Cure rientreranno per ben tre volte ancora. Per un totale di 14 brani suppletivi. Eseguendo B-Sides e rarità assolute. Pescando dal “D-Day Demos” del 1977 canzoni come World War. Dal singolo Boys Don’t Cry del 1979 il lato B Plastic Passion. Passando a setaccio tutti i possibili retro 7” del 1981! Descent, Charlotte Sometimes ed ancora il suo lato B Splintered In Her Head.
Lo stesso Robert Smith grattandosi il capo ammetterà di averci pensato tutta mattina. “Quale altro pezzo posso recuperare dal favoloso 1981 per lo spettacolo di questa sera?” Continuando fino a The Hanging Garden di Pornography. L’ultimo Encore, fra luci accese e una RAH in festa, è dedicato al 1983. Anno di Japanese Whispers. Le tracce estratte sono Let’s Go To Bed, The Walk e The Lovecats.

Sono le 11 p.m. passate!

Circa tre ore effettive di spettacolo. Incredibile. L’affetto del pubblico è impressionante. I Cure ringraziano con visibile animo. L’entusiasmo è alle stelle. Una esperienza incommensurabile. La suggestione e la magia del luogo concorrono ulteriormente a segnare un solco profondo nella  nostra curva di esperienza. Scorgiamo Tim Burton allontanarsi verso l’uscita. Diamo un ultimo sguardo alla Hall che si sveste. E’ davvero splendida. Imponente. Nobile. Abbiamo appuntamento fuori con Jason Howes ed altri amici londinesi.
Ingorgo intenso nell’atrio. Quasi impossibile buttare un occhio al Merchandising. Tutto saturo. Non fa freddo. Prenderemo da bere, poi un cab. Non ci sarà molto da dire sull’evento al quale abbiamo assistito. Ne usciamo consapevolmente travolti. La bravura tecnica di Smith alla chitarra è sconvolgente.I suoni perfetti. Gallup una furia. I Cure restano una Band di riferimento assoluto. E’ stato come ritornare al futuro. Hanno suonato con una foga insolente, sfacciata. Sfrontatissimi ed attuali. Coerenti e raffinatissimi.
C’è ancora molto da chiedere. Molto da imparare. Come vedere Wagner da vivo. Siamo stati maledettamente fortunati stasera. Non è ancora mezzanotte. E’ ancora Martedì. 15 novembre 2011.
Non è un martedì come gli altri.
Non è un Novembre qualsiasi.
“Rifletteteci”.

Note_
*La formazione originaria che ha partecipato alla registrazione di Three Imaginary Boys del 1979 era così composta: Robert Smith: Voce e Chitarra / Michael Dempsey: Basso / Lol Tolhurst: Batteria.

Scaletta_The Cure – Reflections_
15.11.2011_RAH_London_
A]
ThreeImaginaryBoys_ 5 Maggio 1979_
1. 10:15 Saturday Night
2. Accuracy
3. Grinding Halt
4. Another Day
5. Object
6. Subway Song
7. Foxy Lady
8. Meathook
9. So What
10. Fire In Cairo
11. It’s Not You
12. Three Imaginary Boys
13. The Weedy Burton

B]
SeventeenSeconds_ 22 Aprile 1980_
14. A Reflection
15. Play For Today
16. Secrets
17. In Your House
18. Three
19. The Final Sound
20. A Forest
21. M
22. At Night
23. Seventeen Seconds

C]
Faith_ 14 aprile 1981_
24. The Holy Hour
25. Primary
26. Other Voices
27. All Cats Are Grey
28. The Funeral Party
29. Doubt
30. The Drowning Man
31. Faith

1] ENCORE

1. World War  [D-Day’s Demo, 1977]
2. I’m Cold  [7”- Lato B di Jumping Someone Else’s Train, 1979]
3. Plastic Passion  [7” - Lato B di Boys Don’t Cry, 1979]                                                                                                     4. Boys Don’t Cry [7” - Giugno 1979]
5. Killing An Arab [7” - Dicembre 1978]
6. Jumping Someone Else’s Train [7” - Novembre 1979]
7. Another Journey By Train [7”- Lato B di A Forest, Aprile 1980]

2] ENCORE

1. Descent [7” - Lato B di Primary, Maggio 1981]
2. Splintered In Her Head [7” - Lato B di Charlotte Sometimes, Ottobre 1981]
3. Charlotte Sometimes
4. The Hanging Garden  [7” - A Single, Luglio 1982]

3] ENCORE

1. Let’s Go To Bed [Single da Japanise Whispers, Novembre 1982/ Luglio 1983]
2. The Walk [Single da Japanese Wispers, Luglio 1983]
3. The Lovecats [Single da Japanise Wispers, Ottobre 1983]

(Foto di Roberta Accettulli)