IL 13 NOVEMBRE ESCE IL NUOVO ALBUM DI INEDITI
“UN FILO D’ERBA NEL MURO”

Alla produzione Rob Ellis
che ritrova Godano vent’anni dopo “Senza peso” dei Marlene Kuntz

Foto di Antonia Di Bella

Il 13 novembre esce “Un filo d’erba nel muro” (Ala Bianca Group / Warner Music), il nuovo album di inediti di CRISTIANO GODANO, una delle penne più colte e viscerali del panorama alternativo italiano.

Ad accompagnare Cristiano Godano in questo nuovo lavoro c’è Rob Ellis, polistrumentista e storico produttore britannico (già al fianco di PJ Harvey e Marianne Faithfull). Il sodalizio tra i due si rinnova a più di vent’anni da “Senza peso” (2003), pietra miliare nella discografia dei Marlene Kuntz.

La scelta di affidarsi alla produzione di Ellis promette di proiettare l’album verso una dimensione sonora di respiro internazionale, affrancandosi dalle sfumature folk del passato per esplorare nuove stratificazioni produttive.

Il disco sarà disponibile in pre-order dal 20 ottobre.
Uscirà in CD con packaging speciale formato 45 giri e in digitale.

Cristiano Godano, artista poliedrico, è cantante, chitarrista, autore, attore e scrittore. La sua scrittura, da sempre caratterizzata da una precisione chirurgica e da una rara densità lirica, rifiuta da sempre la banalità e la scorciatoia formale.
È il frontman dei Marlene Kuntz, band che ha segnato la storia della musica italiana in 30 anni di carriera, e l’autore di tutti i testi (oltre 130) della band.
Nel 2008 ha esordito come scrittore, con i sei racconti de “I vivi” (Rizzoli), nel 2019 ha pubblicato il racconto biografico in prima persona “Nuotando nell’aria. Dietro 35 canzoni dei Marlene Kuntz” (La Nave di Teseo), seguito da “Il suono della rabbia. Pensieri sulla musica e il mondo” (Il Saggiatore). Attualmente cura una rubrica di attualità su Rolling Stone Italia.
Da sempre sensibile verso le tematiche attuali, Cristiano Godano ha integrato l’impegno socio-ambientale nella sua ricerca artistica. L’attenzione al cambiamento climatico è testimoniata recentemente dal progetto “Karma Clima” con i Marlene Kuntz e dal reading/spettacolo “Canto d’acqua” in coppia con Telmo Pievani (filosofo della biologia, evoluzionista).
Il suo primo album solista “Mi ero perso il cuore” è uscito nel 2020, seguito da “Stammi accanto” (2025), due capitoli intimi e d’autore accolti con plauso, che hanno confermato la sua sensibilità artistica anche al di fuori dei Marlene Kuntz.

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DOPAMINE CHAMBER
ESCE IL 16 OTTOBRE VIA XL RECORDINGS

GIOVEDI 8 OTTOBRE SI TERRANNO LISTENING PARTY NEI NEGOZI DI DISCHI DI TUTTO IL MONDO.
TROVI LA LISTA DEI NEGOZI COINVOLTI QUI

3 DATE IN ITALIA
26 OTTOBRE – UNIPOL ARENA, BOLOGNA (SOLD-OUT)
18 GIUGNO – ROCK IN ROMA, ROMA
19 GIUGNO – I-DAYS FESTIVAL, MILANO

ph Ewen Spencer

Fontaines D.C. – Grian Chatten, Carlos O’Connell, Conor Curley, Conor Deegan e Tom Coll – pubblicano oggi il nuovo singolo “Tongue”, secondo brano estratto dal loro quinto album in studio, Dopamine Chamber, in uscita il 16 ottobre per XL Recordings. Il singolo è accompagnato da un video diretto da John Angus Stewart e girato a New York.

Dopo il successo del primo singolo “Marianne”, “Tongue” esplora nuove sfumature del sound di Dopamine Chamber. «Abbiamo ripreso da dove ci eravamo fermati con Romance, introducendo gli elementi suonati dal vivo solo quando si sono rivelati davvero necessari», racconta Conor Curley a proposito della registrazione del brano. Conor Deegan ha creato il basso dall’andamento rilassato manipolando la velocità del nastro, una tecnica spesso utilizzata da Prince, evocando il carattere libero e le variazioni d’intonazione dei bassi campionati nell’hip-hop. Carlos O’Connell ha fatto passare la voce di Chatten attraverso un campionatore, alterandone l’intonazione fino a farla somigliare a quella di un minaccioso extraterrestre. Le chitarre stridono, il pianoforte ruggisce e gli archi e gli arrangiamenti orchestrali sgretolano progressivamente la facciata impassibile del brano.

Il risultato è una delle canzoni più viscerali di Dopamine Chamber: fisica, distorta e viva, anche mentre le sue componenti umane vengono elaborate e trasformate in forme irriconoscibili.

Dopamine Chamber è il seguito di Romance, album del 2024 certificato disco di platino in UK, mostra una band che si allontana decisamente dalle sonorità chitarristiche dei primi dischi, passando a suoni più freddi, strani e sintetici. Anticipato dai singoli “Marianne” e “Tongue” e impreziosito dalla collaborazione con ROSALÍA in “Where Is Gone?”, l’album è come una costellazione dietro una nube di smog: potenti ballate e melodie che brillano nell’oscurità. In un mondo all’orlo del collasso, si chiede come il piacere possa trasformarsi davanti al pericolo, e quanto la ricerca di questo piacere possa rivelare su di noi. “L’album nella sua essenza rappresenta una stanza della dopamina”, racconta Chatten. “Ci entri e noi testiamo questi brani che alterano la mente o l’umore”.

I Fontaines D.C. hanno sempre rifiutato di ripetersi: da Dogrel (2019) a A Hero’s Death (2020), per arrivare a Skinty Fia (2022) e Romance (2024). Dopamine Chamber rappresenta il cambio più radicale fino ad ora. E’ stato realizzato con James Ford tra Londra, l’entroterra Inglese e Palermo, dove Grian Chatten ha registrato le voci in una cabina improvvisata costruita con materassi e cuscini. “C’è la struggente sensazione di trovarsi sull’orlo di un’altra forma di umanità, o di non-umanità”, dice Chatten. Per il loro quinto album, i Fontaines D.C. hanno costruito una “stanza”. Quello che accadrà all’ascoltatore al suo interno sarà parte dell’esperimento.

Tracklist
1. Six Shot Morning
2. Marianne
3. Mimesis
4. Happy For You
5. Demolition
6. Tongue
7. One Man
8. Where Is Gone? (with ROSALÍA)
9. You Miss Me
10. Japan
11. Intimate

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a grande richiesta continua il

DE ANDRÉ CANTA DE ANDRÉ BEST OF TOUR 2026

L’unico vero erede del patrimonio musicale deandreiano racconta il padre

attingendo dall’immenso repertorio di Fabrizio

ph Mele Bettoja

A grande richiesta continua il “DE ANDRÉ CANTA DE ANDRÉ BEST OF TOUR 2026” di CRISTIANO DE ANDRÉ, un omaggio al padre Fabrizio e alle sue canzoni, impresse nella memoria collettiva e ancora oggi estremamente attuali. Biglietti disponibili qui: https://bit.ly/deandrebestoftour2026

Queste le prime date:

2 dicembre al Dis_Play Brixia Forum di Brescia

3 dicembre al Teatro Odeon di Biella

12 dicembre al Teatro Scaramuzza di Crotone

Il progetto “DE ANDRÉ CANTA DE ANDRÉ” si arricchisce così di un nuovo tassello dopo i grandi e recenti successi:  i quattro album “De André canta De André – Vol. 1” (2009), “De André canta De André – Vol. 2” (2010), “De André canta De André – Vol. 3” (2017) e “De André canta De André – Storia di un impiegato” (2023),  i  vari tour sold out dedicati ognuno a una parte del repertorio di Fabrizio e il tutto esaurito in ogni tappa del “De André canta De André Best of Tour Teatrale”, del “De André Canta De André Best Of Estate” e del “De André canta De André Best of 2026”.

Con “DE ANDRÉ CANTA DE ANDRÉ BEST OF TOUR 2026” Cristiano De André, unico vero erede del patrimonio musicale deandreiano, porterà sul palco il meglio del repertorio finora affrontato, accompagnato dagli insperabili musicisti Osvaldo di Dio alle chitarre, Davide Pezzin al basso, Luciano Luisi alle tastiere (che ha curato gli arrangiamenti dei primi due volumi) e Ivano Zanotti alla batteria.

Cristiano stesso, non solo cantautore ma anche abile polistrumentista, suonerà la chitarra acustica e classica, il bouzouki, il pianoforte e il violino, accompagnando lo spettatore in un percorso che affronta la grande opera di Fabrizio.

Il tour è prodotto e organizzato da Trident Music.

www.facebook.com/CrisDeAndre

www.instagram.com/cristianodeandre_official/

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Una storia di solitudini, calessi e amori immaginati

In uscita il 2 ottobre, anticipa Corsara, il suo sesto album e il primo interamente in napoletano. In arrivo il 23 ottobre

OFFICIAL VISUAL: FLO | Pe’ nun stà sulo

Photos by Francesca Errichiello

Artwork by Patrizio Squeglia

Si intitola Pe’ nun stà sulo ed è il nuovo singolo di Flo, cantautrice e attrice napoletana tra le voci più originali della scena contemporanea, in uscita il 2 ottobre. Il brano anticipa l’album Corsara (SoundFly), disponibile dal 23 ottobre in formato fisico e digitale, e affronta una paura universale: quella di restare soli, di perdere tempo, di lasciarsi sfuggire le occasioni. Una paura che spesso spinge verso relazioni scapestrate, incontri sbagliati, tentativi di colmare un vuoto.

È la stessa paura che Massimo Troisi metteva al centro di uno dei suoi film più celebri. Flo ne riprende l’immagine del calesse, trasformandola in una metafora tenera e assurda delle relazioni precipitose in cui ci si infila “pe’ nun stà sulo”.

Questa riflessione apre la strada a Corsara, un album libero, sincero e profondamente umano. Dieci tracce che raccontano una Napoli laterale, inusuale, fatta di figure corsare e di storie che spesso restano ai margini della scena. Ma raccontano anche Flo: un’artista che continua a navigare fuori dalle rotte prestabilite, fedele alla propria natura indipendente e alla capacità di muoversi tra generi diversi senza perdere identità.

Flo (Floriana Cangiano) arriva a Corsara con una scrittura raffinata e una forte attenzione narrativa, attraversa con naturalezza territori musicali differenti. L’album nasce proprio da questa libertà: un disco suonato da persone reali, strumenti reali, voci reali, costruito con la cura artigianale di chi pesa le parole una per una e cerca, in ogni brano, un equilibrio tra ironia, vitalità e una malinconia lieve.

CHI E’ FLO

Flo, nome d’arte di Floriana Cangiano, è una cantautrice e attrice napoletana tra le voci più riconoscibili della scena contemporanea. La sua formazione nasce tra il canto lirico e il teatro musicale, ma è nella scrittura che trova la sua identità: una miscela di radici mediterranee, attenzione narrativa e una teatralità che attraversa ogni brano.

Il suo debutto discografico arriva nel 2014 e segna l’inizio di un percorso coerente e indipendente, premiato da alcuni dei riconoscimenti più importanti della canzone d’autore italiana, tra cui Musicultura, il Premio Andrea Parodi e il Premio Bianca d’Aponte come autrice. Premi che hanno contribuito a definirla come una voce fuori dal coro, capace di unire ricerca, ironia e profondità emotiva.

Nel corso degli anni Flo ha collaborato con figure di primo piano della musica italiana – Stefano Bollani, Peppe Barra, Tosca, Paolo Fresu, Enrico Rava – e ha portato i suoi concerti in Europa, Sudamerica, Africa e Canada, costruendo una presenza internazionale rara per un’artista della sua generazione.

Accanto alla musica, coltiva un’intensa attività teatrale e firma colonne sonore per cinema e televisione, confermando una versatilità che le permette di muoversi tra linguaggi diversi senza perdere identità. Ogni suo album è un tassello di un percorso artigianale e libero, costruito con la cura di chi pesa le parole una per una e cerca, in ogni storia, un equilibrio tra vitalità, ironia e una malinconia lieve.

È ATTIVO IL PRE-ORDER

Grande ritorno per i PERTURBAZIONE dopo 2 anni dalla loro ultima pubblicazione discografica! Venerdì 9 ottobre esce in fisico e in digitale “RISUONA” (https://orcd.co/perturbazione_risuona / The Saifam Group) il loro nuovo album: un viaggio attraverso 10 canzoni rilette, tradotte e reinterpretate in italiano dalla band. È attivo il pre-order: https://saifam.lnk.to/perturbazione_risuona

L’album nasce dall’idea racchiusa nel titolo “Risuona”: tradurre una canzone significa inevitabilmente anche trasformarla, perché nel passaggio da una lingua all’altra cambiano parole e significati. È proprio questa trasformazione a dare ai brani una nuova forma e una nuova vita.

Le cover fanno parte della storia dei Perturbazione fin dagli esordi e, nel tempo, sono diventate un modo per confrontarsi con la musica amata e, attraverso le canzoni degli altri, far emergere qualcosa di sé.  “Risuona” anticipato dal brano “Quel che non ho più” (versione italiana di “Only You”degli Yazoo / https://orcd.co/perturbazione_quel-che-non-ho-piu, The Saifam Group), si inserisce così anche nella lunga storia italiana delle canzoni straniere tradotte, iniziata negli anni ’60 con il beat e proseguita fino a oggi. Brani spesso sconosciuti al pubblico italiano che, una volta tradotti, incisi e diffusi, hanno trovato una nuova vita – e talvolta una prima vera vita – nella nostra lingua.

«Quando si inizia a suonare insieme, da ragazzi, si prova a imitare ciò che ci piace – affermano i Perturbazione – Si “fanno” le cover come una palestra, un esercizio per conoscere i propri limiti e, allo stesso tempo, i propri punti di forza. Con il tempo, però, si comprende che le cover più riuscite non sono necessariamente quelle più fedeli all’originale, ma quelle che riescono a svelare qualcosa di nuovo attraverso le note e le parole di qualcun altro. L’album Non l’abbiamo costruito per fargli fare da tappeto sonoro alle giornate frenetiche o per riempire i silenzi in sala d’attesa. È un rifugio. Un lavoro intimo, uno dei più esposti della nostra carriera, nato da un’esigenza profonda e urgente, senza guardare mai l’orologio o le scadenze del calendario. Ci siamo messi a nudo, cercando un suono e delle parole che fossero uno specchio fedele di ciò che siamo oggi».

Questa la tracklist:
1. Musica in un’altra lingua (Music in a foreign language) feat. Lloyd Cole
2. Quel che non ho più (Only you – Yazoo)
3. Una prova (Proof – I am kloot)
4. Il tuo ex (Your ex-lover is dead) feat. Chiara Vidonis
5. Sconosciuta (Stranger – Noah & The Whale)
6. Vieni qua (C_mere – Interpol)
7. Resta se vuoi (Why won’t you stay – American Music Club)
8. Killian’s red (Killian’s red – Nada Surf)
9. Sedna (Sedna – Efterklang)
10. Conseguenza (Consequence – The Notwist)

ph Luigi De Palma

I Perturbazione presenteranno il nuovo album in una serie di incontri aperti al pubblico, durante i quali condivideranno storie e aneddoti legati alla realizzazione del nuovo album, eseguiranno alcune canzoni dal vivo, incontreranno i fan e firmeranno le copie del disco.

Questi i primi appuntamenti:

• 8 ottobre ore 19.00, in dialogo con Nicholas David Altea – Germi, Milano
• 12 ottobre ore 21.00, in dialogo con Natalia Ceravolo – Circolo dei Lettori, Torino 
• 14 ottobre ore 18.00, in dialogo con Florinda Fiamma – Feltrinelli di Via Appia Nuova, Roma

Nell’approccio dei Perturbazione c’è un gioco di specchi che, nell’atto stesso del tradurre, si mantiene in equilibrio tra il rispetto della tradizione e il suo opposto: il tradimento. Un gesto implacabile ma necessario, quando ci si appropria delle parole altrui per farle proprie e, attraverso di esse, raccontare se stessi.

I Perturbazione sono uno dei più importanti e longevi gruppi indie-rock della musica italiana. Nati sui banchi di un liceo scientifico alle porte di Torino, dopo una lunga gavetta pubblicano nel 2002 l’album della svolta, “In circolo”, votato tra i 100 migliori dischi italiani di sempre da Rolling Stone Italia, e trainato dal singolo “Agosto”. Quella dei Perturbazione è una storia fatta di oltre 800 concerti, sui palchi di tutta Italia e d’Europa, un Festival di Sanremo nel 2014 – durante il quale il nome della band si afferma presso il grande pubblico grazie alla canzone L’Unica – e una decina di dischi, fra cui album di culto come “Canzoni allo specchio” (2005), “Del nostro tempo rubato” (2010), “Musica X” (2013) e “(Dis)amore” (2020). Da sempre la band descrive il proprio suono come “rock anemico”, riferendosi all’impatto emotivo che nasce dall’incrocio tra la propria musica e i testi, nella costante ricerca di un elemento mancante. Oltre a pubblicare i propri dischi e all’attività dal vivo, la band ha creato una serie di progetti a cavallo tra musica, immagini, letteratura e teatro, come nel Concerto per disegnatore e orchestra, la sonorizzazione dei film muti “Maciste” (1915) e “The General” (1926) di Buster Keaton, lo spettacolo Le città viste dal basso e le canzoni scritte per Qualcuno che tace, trilogia dedicata al teatro di Natalia Ginzburg allestita nel 2016 dal Teatro Stabile di Torino, rimessa in scena nell’estate 2020 e “Dracula – Rock Shadow Opera”. Nell’aprile 2021 Bao Publishing pubblica la loro prima graphic novel “Chi conosci davvero”, disegnata da Davide Aurilia. Nel 2024 pubblicano e portano in tour l’album “La Buona Novella (dal vivo con Nada e Alessandro Raina)”.

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Steven Wilson pubblica oggi On Chapel Slope un nuovo brano tratto dal suo prossimo, nono album, Requiem For A Village, in uscita per Fiction il 6 novembre 2026.

Cominciando con il graffio di una sola nota suonata da un violino solitario, On Chapel Slope si insinua lentamente attraverso una linea di chitarra che si scioglie come un invito a una seduta spiritica, una voce che attraversa la vita, la morte e la rinascita, e un canto corale che minaccia di avvolgere ogni cosa.

Se l’ottavo album di Steven Wilson, The Overview, esplorava le profondità, le distanze e le desolazioni dello spazio profondo, Requiem For A Village restringe il campo a un minuscolo angolo sconosciuto, sepolto da qualche parte fuori dalle mappe delle isole britanniche. La storia che si trova al cuore del nono album di Steven si allontana dal mondo moderno e si avventura nell’ignoto, stabilendosi in un villaggio che esiste al di là del tempo e dello spazio.

Nel concepire un luogo completamente separato dalla modernità e nel creare una musica che abbraccia consapevolmente tanto il macabro quanto le possibilità offerte dagli errori in studio, Wilson ha adottato un approccio alla registrazione altrettanto anticonvenzionale. Rinunciando all’AI e alle tecnologie correttive da studio, ha scelto invece strumenti organici, siano essi impeccabili o imperfetti, accogliendo gli errori per scoprire dove avrebbero potuto condurlo.

Registrato insieme al collaboratore di lunga data e polistrumentista Randy McStine, al batterista Russell Holzman (nei brani Requiem For A Village, Now Departing, A Basket Of Bees e Wheel) e alla vocalist Katherine Priddy (Murmuration), l’album è intimo, ambizioso, ricco di immaginazione e volutamente eccentrico. A impreziosirlo c’è una narrazione estremamente coinvolgente scritta da Andy Partridge (XTC) e affidata alla voce di uno dei più importanti attori britannici, David Tennant.

Ambientato in un paesaggio degno di The Wicker Man, dove i dipinti di Stanley Spencer sono esposti nella galleria d’arte locale, i racconti di M. R. James e Algernon Blackwood occupano gli scaffali della biblioteca pubblica e i Children of the Stones giocano nella piazza del mercato, Requiem For A Village è un’istantanea dai toni seppia di una Neverland nascosta e un’opera cinematografica di 54 minuti per le orecchie.

Steven Wilson su Requiem For A Village racconta:
“Volevo tornare a un tipo di musica in cui si possano sentire le impronte digitali metaforiche. Insistere sui gesti umani e sulle imperfezioni della musica, su quelle cose che non possono essere create attraverso un software. Per esempio, utilizzare esclusivamente sintetizzatori analogici, con tutta la loro imprevedibilità, oppure non avere strumenti perfettamente accordati. Ma questo mi ha portato anche a prendere in mano il violino, l’oboe, o a provare a suonare la batteria, suonando cose che in realtà non so suonare, ma riuscendo comunque a ricavarne qualcosa che mi ha ispirato in modi che non mi aspettavo. Affrontare la musica con un senso di innocenza e vedere dove mi avrebbe portato. E mi ha portato al villaggio.”

Dopo la recente pubblicazione di un teaser contenente un estratto della narrazione dell’album, è ora disponibile online il primo brano nella sua versione completa.

Artwork

Tracklist di Requiem For A Village

Requiem For A Village sarà disponibile in CD, Blu-ray, doppio vinile nero 12” da 140 g, doppio vinile indie 12” colorato.

L’artista terrà inoltre due concerti già sold out alla Royal Albert Hall, il 28 e 29 ottobre, accompagnato dalla sua band, dalla Parallax Orchestra e dal coro Sansara, diretti da Tom Richards.

I concerti presenteranno arrangiamenti orchestrali mai ascoltati prima di The Overview e altro materiale, preparati appositamente per queste due serate.

ph Antonia Di Bella (IG @antoniadibella)

IL BRANO SARÀ PRESENTATO IN ANTEPRIMA
ALLA SERATA FINALE DEL “PREMIO STREGA POESIA 2026”

A cinque anni di distanza dal precedente capitolo discografico, esce il 13 ottobre “Possibili superstiti”, il nuovo singolo di Cristina Donà, una delle più stimate cantautrici italiane. Il brano, disponibile su tutti gli store digitali per l’etichetta Futurecords, anticipa la pubblicazione del nuovo album di inediti previsto entro la fine dell’anno.

Contemporaneamente alla sua uscita, l’artista presenterà il nuovo singolo per la prima volta dal vivo durante la serata finale del “Premio Strega Poesia 2026”. L’evento, che accoglierà Cristina Donà in veste di ospite musicale, si svolgerà a Roma il 13 ottobre presso l’Acquario Romano e sarà trasmesso in diretta streaming su Raiplay.

Il singolo è liberamente ispirato al film di di Jacques Audiard “Un sapore di ruggine e ossa” del 2012 con Marion Cotillard e Matthias Schoenaerts, a sua volta tratto dall’omonima raccolta di racconti di Craig Davidson.

Parlando di “Possibili superstiti” Cristina Donà afferma: “Un uomo e una donna si aggrappano l’uno all’altra per sopravvivere alla brutalità degli eventi. È la vita che li costringe a confrontarsi con improvvise catastrofi personali e repentine cadute a terra dove la polvere annebbia la vista e lascia in bocca un sapore aspro. L’elemento acqua spesso li sommerge, in senso fisico o metaforico: una forza che può farli annegare o sollevarli. Il brano, cantato in punta di voce, descrive la sottile membrana che ci permette di vivere, l’esile filo che sostiene le nostre esistenze. Ogni tanto arriva una cantilena morbida, come le onde di un mare calmo, che apre la vista su un paesaggio fatto di piccoli gesti di resistenza quotidiana e volontà di tenace sopravvivenza”.

Inizia nei primi anni Novanta la lunga carriera artistica che fa di Cristina Donà una delle voci più originali e influenti della scena musicale italiana. Con una solida discografia che conta 7 album in studio e diversi EP, ha saputo reinventare il modello di autrice e interprete nell’ambito della musica rock, riuscendo a conquistare il plauso di icone internazionali quali Robert Wyatt, David Byrne e Peter Walsh (storico produttore di Scott Walker, Peter Gabriel e Simple Minds).  Il prestigio del suo percorso è testimoniato da numerosi e autorevoli riconoscimenti, tra cui due Targhe Tenco, la Targa SIAE/Club Tenco, il Premio De André e il Premio Bindi alla Carriera.  La sua musica ha superato i confini nazionali, come testimoniano l’assegnazione del Premio Chatwin e il favore della critica estera, con recensioni e segnalazioni su testate di riferimento come Mojo, Billboard Europe, Sunday Times; è stata inoltre la prima artista italiana a esibirsi al Meltdown Festival di Londra. Sempre in grado di rinnovarsi, Cristina Donà è divenuta nel tempo punto di riferimento e figura ispiratrice per le nuove generazioni di musicisti italiani.

www.cristinadona.it

www.facebook.com/cristinadona

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Cover  – grafica e art work Manuele Altieri

**ATTIVO IL PRE-ORDER: www.lacanzonetta.net

Un disco che parla di ciò che accade ai margini per raccontare, in realtà, ciò che riguarda tutti. Un lavoro in cui la dimensione urbana diventa metafora di una società fragile ma ancora capace di generare bellezza, legami e possibilità. I 24 Grana costruiscono un paesaggio sonoro abrasivo, crudo e diretto, profondamente emozionale. La sperimentazione, da sempre elemento centrale nella ricerca della band, si mette al servizio di un racconto che non cerca risposte semplici, ma prova a restituire la complessità del presente.

“L’idea alla base del disco è quella di raccontare gli spazi urbani ed extraurbani così come vengono vissuti nella contemporaneità. Un insieme di elementi che ne contraddistinguono lo stato di abbandono e marginalità, la rete di relazioni che sottendono le dinamiche sociali di noi abitanti. Le periferie italiane così come le Bidonville disseminate in ogni parte del globo soffrono la precarietà, la mancanza di spazi sociali e di infrastrutture dedicate alla cura delle persone. Vuoti emotivi che generano violenza, sofferenza, disumanizzazione. Dalle “stese” di Napoli alla distruzione di Gaza, le città si trasformano da bellezza a luoghi di sopravvivenza e gli abitanti diventano statistiche, cifre da sovraffollamento. Le storie personali resistono come fili d’erba cresciuti nelle crepe del cemento e la ricchezza è riciclo, riadattamento di materiali e strutture. La musica e le canzoni rappresentano l’amore, la resistenza, l’incredibile vittoria che solo i rapporti umani possono regalare. Il suono del disco diventa così abrasivo, crudo, diretto, emozionale, puntellato da un’elettronica calda, vitale, per quella voglia di dimostrare che un cambiamento può essere sempre possibile, purché il sangue scorra nelle vene e non per le strade – dichiarano i 24 Grana”.

“BIDONVILLE” (La Canzonetta Record), anticipato dal singolo “STADERA” è il nuovo lavoro discografico (11 brani inediti) che arriva nell’anno della celebrazione per i trent’anni di carriera della band e che promette di raccontare, con lo sguardo lucido e attuale che da sempre contraddistingue il gruppo, il presente e le sue contraddizioni.

Dopo trent’anni di musica vissuta all’insegna della ricerca, dell’innovazione e di un linguaggio artistico capace di attraversare generi e generazioni, i 24 Grana inaugurano un nuovo capitolo della loro storia, attraverso una scrittura cinematografica e profondamente umana, la band racconta la realtà senza filtri, trasformando storie individuali in un racconto universale, dove la periferia diventa metafora della condizione esistenziale contemporanea, restituendo dignità poetica alle storie che abitano i margini della città.

Nati a Napoli a metà degli anni Novanta, i 24 Grana sono Francesco Di Bella, Armando Cotugno, Renato Minale e Giuseppe Fontanella. Prendono il nome da un’antica moneta del Regno di Napoli, simbolo del loro profondo legame con la cultura partenopea e di una visione artistica lontana dalle logiche commerciali. Fin dagli esordi hanno costruito un linguaggio musicale originale, in cui rock, dub, reggae, elettronica e tradizione partenopea convivono in un equilibrio unico, dando vita a una poetica capace di raccontare periferie, trasformazioni sociali e fragilità umane attraverso l’uso del napoletano e dell’italiano. Con album fondamentali come “Loop”, “Metaversus”, “K-Album”, “Underpop”, “Ghostwriters” e “La stessa barca”, i 24 Grana hanno lasciato un segno profondo nella scena indipendente italiana, affermandosi anche grazie a un’intensa attività live in Italia e all’estero. Nel corso della loro carriera hanno collaborato con artisti e produttori di rilievo, da Daniele Sinigallia a Steve Albini. Dopo la pausa iniziata nel 2011, la band si è riunita nel 2019 registrando agli Abbey Road Studios di Londra il brano inedito che ha anticipato “A Raccolta” (2022), disco celebrativo accolto con entusiasmo dal pubblico e seguito da un tour interamente sold out. Oggi, a trent’anni dalla nascita del progetto, i 24 Grana continuano il loro percorso con la stessa urgenza espressiva che li ha resi una delle realtà più interessanti della musica alternativa italiana. I brani “Stai-mai-ccà”, “Accireme” e “Carcere” sono stati scelti per la colonna sonora del docufilm “I Nisidiani“, diretto da Riccardo Brun, è presentato in anteprima all’83ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia all’interno delle Giornate degli Autori (sezione Confronti).

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ATTIVO IL PRE-ORDER

Grande ritorno per i PERTURBAZIONE dopo 2 anni dalla loro ultima pubblicazione discografica! Disponibile in radio e in digitale “QUEL CHE NON HO PIÙ” (https://orcd.co/perturbazione_quel-che-non-ho-piu, The Saifam Group), il primo brano che anticipa “RISUONA”, il nuovo album in uscita il 9 ottobre (The Saifam Group): un viaggio attraverso canzoni rilette, tradotte e reinterpretate in italiano dalla band.

“Quel che non ho più” è la versione italiana di “Only You”, brano originariamente interpretato dal gruppo inglese Yazoo nel 1982 e divenuto ben presto una hit internazionale.  A distanza di oltre quarant’anni, la versione reinterpretata, riarrangiata e tradotta dai Perturbazione restituisce, attraverso un arrangiamento molto personale, una nuova sensibilità all’originale, conservandone intatto lo straordinario potere evocativo e la forza emotiva, e riattivando quella nostalgia immediata fatta di atmosfere e sonorità che ancora oggi tornano al centro dell’interesse.

Un amore non più corrisposto, ancora desiderato ma ormai impossibile, prende forma nella semplice e potente metafora della finestra. Un dispositivo prospettico che pone i due ex, ciascuno al di là del vetro che li separa, ancora impressi sulla retina l’uno dell’altro, ma ormai incapaci di comunicare. È attraverso questa immagine che il brano restituisce, in una dimensione nuova e personale, le atmosfere dell’originale, affidate al tempo alla voce calda e struggente di Alison Moyet.

Nell’approccio dei Perturbazione c’è un gioco di specchi che, nell’atto stesso del tradurre, si mantiene in equilibrio tra il rispetto della tradizione e il suo opposto: il tradimento. Un gesto implacabile ma necessario, quando ci si appropria delle parole altrui per farle proprie e, attraverso di esse, raccontare se stessi.

Foto di Luigi De Palma

I Perturbazione sono uno dei più importanti e longevi gruppi indie-rock della musica italiana. Nati sui banchi di un liceo scientifico alle porte di Torino, dopo una lunga gavetta pubblicano nel 2002 l’album della svolta, “In circolo”, votato tra i 100 migliori dischi italiani di sempre da Rolling Stone Italia, e trainato dal singolo “Agosto”. Quella dei Perturbazione è una storia fatta di oltre 800 concerti, sui palchi di tutta Italia e d’Europa, un Festival di Sanremo nel 2014 – durante il quale il nome della band si afferma presso il grande pubblico grazie alla canzone L’Unica – e una decina di dischi, fra cui album di culto come “Canzoni allo specchio” (2005), “Del nostro tempo rubato” (2010), “Musica X” (2013) e “(Dis)amore” (2020). Da sempre la band descrive il proprio suono come “rock anemico”, riferendosi all’impatto emotivo che nasce dall’incrocio tra la propria musica e i testi, nella costante ricerca di un elemento mancante. Oltre a pubblicare i propri dischi e all’attività dal vivo, la band ha creato una serie di progetti a cavallo tra musica, immagini, letteratura e teatro, come nel Concerto per disegnatore e orchestra, la sonorizzazione dei film muti “Maciste” (1915) e “The General” (1926) di Buster Keaton, lo spettacolo Le città viste dal basso e le canzoni scritte per Qualcuno che tace, trilogia dedicata al teatro di Natalia Ginzburg allestita nel 2016 dal Teatro Stabile di Torino, rimessa in scena nell’estate 2020 e “Dracula – Rock Shadow Opera”. Nell’aprile 2021 Bao Publishing pubblica la loro prima graphic novel “Chi conosci davvero”, disegnata da Davide Aurilia. Nel 2024 pubblicano e portano in tour l’album “La Buona Novella (dal vivo con Nada e Alessandro Raina)”.

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Foto di Sabrina Cirillo

PASSIONE è il nuovo singolo e videoclip del collettivo FANALI con la straordinaria partecipazione di MANUEL AGNELLI, in uscita il 25 settembre. Il brano è una reinterpretazione del grande classico della tradizione partenopea in chiave contemporanea ed elettronica. FANALI proietta “Passione” verso un contesto dal respiro più internazionale, mantenendo intatta la melodia e la carica emotiva originali.

Parlando di “Passione”, il collettivo afferma: “Le atmosfere si muovono tra tensione e delicatezza per raccontare il caleidoscopio degli stati d’animo che il protagonista vive, con una produzione minimale ma evocativa che lascia spazio all’interpretazione vocale, autentica e viscerale di Manuel Agnelli.”

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Il singolo anticipa la pubblicazione di un nuovo lavoro discografico, “’Nu veleno ch’è doce”, in arrivo il prossimo 23 ottobre in formato vinile per l’etichetta Butterfly Music / Futurecords.

Così come le loro produzioni precedenti, per una precisa scelta etica sia il singolo “Passione” che l’EP “’Nu veleno ch’è doce” non verranno rilasciati su Spotify, ma saranno disponibili sulle altre principali piattaforme streaming.

FANALI è un collettivo multidisciplinare nato dall’incontro artistico tra Michele De Finis, Jonathan Maurano e Caterina Bianco con il proposito di realizzare musica cinematica, unendo a suoni e melodie l’arte visiva e la performance art. La sua ricerca musicale fonde elettronica e strumenti tradizionali in un’ottica internazionale. FANALI ha all’attivo cinque album e due EP, tra cui i dischi di inediti “Shidoro Modoro” (2022) e “I’m in control” (2024) e la sonorizzazione del film “Man with a movie camera” (2021). Inoltre, nel 2021, FANALI prende parte al tributo ufficiale a Lou Reed con la direzione artistica di Laurie Anderson, assieme ad artisti del calibro di Willem Dafoe e Anohni. Da questa esperienza nasce nel 2023 “Pale Blue Eyes (Reimagining Lou)”, progetto discografico in collaborazione con noti artisti della scena indipendente italiana. A testimoniare il legame di FANALI con la tradizione, reinterpretata in chiave contemporanea, è “Nun me scetà” (2025), disco che omaggia due pilastri intramontabili della canzone napoletana: Sergio Bruni e Roberto Murolo.

Le foto di Fanali sono a cura di Sabrina Cirillo

CREDITI DEL BRANO
Testo L. Bovio
Musica E. Tagliaferri, N. Valente
Elaborazione da pubblico dominio di M. Agnelli, A. Annunziata, C. Bianco, M. De Finis
Produzione artistica Collettivo Moreflutter
Label Butterfly Music / Futurecords
Distribuzione fisica Audioglobe
Distribuzione digitale Believe

FANALI – formazione presente nel brano
Caterina Bianco
Michele De Finis
Jonathan Maurano

Con la straordinaria partecipazione di Manuel Agnelli – Voce

Registrato presso Multiversi Lab da Antonio “Dafe” Annunziata
Voce registrata presso TP Studio da Antonio Esposito
Mix & Mastering Antonio “Dafe” Annunziata @ Multiversi Lab

MANUEL AGNELLI – BIOGRAFIA

Manuel Agnelli è una figura poliedrica del panorama artistico italiano: è cantautore, musicista, produttore discografico e autore, nonché figura centrale del rock italiano ma anche personaggio televisivo e attore per il cinema e per il teatro. Leader e voce degli Afterhours, band da lui fondata nel 1985, ha attraversato quattro decenni di musica indipendente e cultura contemporanea, contribuendo alla crescita della scena alternativa italiana anche attraverso l’etichetta Vox Pop e il Tora! Tora! Festival.

Con gli Afterhours ha pubblicato album fondamentali come Germi, Hai paura del buio?, Non è per sempre e Padania, vincitore della Targa Tenco. Nel 2009 la partecipazione al Festival di Sanremo con Il paese è reale porta alla band il Premio della Critica Mia Martini. Nel 2021 Agnelli firma La profondità degli abissi, colonna sonora di Diabolik, premiata con David di Donatello e Nastro d’Argento. Nel 2022 pubblica il suo primo album solista, Ama il prossimo tuo come te stesso, e riceve dall’Università IULM un Master ad honorem in Editoria e produzione musicale.

Oggi continua la sua attività musicale e culturale con nuovi progetti, tra cui la rassegna Suoni dal Futuro realizzata con SIAE. Nel 2027 sarà protagonista del tour celebrativo dei 40 anni dal primo 45 giri degli Afterhours e dei 25 anni di Quello che non c’è.

https://mc2live.it/artista/afterhours/

FANALI – BIOGRAFIA 

FANALI è un progetto multidisciplinare nato dall’ incontro artistico tra Michele De Finis, Jonathan Maurano e Caterina Bianco nel proposito di realizzare musica cinematica, collocandosi nel solco tracciato da band come i Calibro 35, C’mon Tigre, Julie’s Haircut.
Per dare vita alla loro visione da sempre collaborano con l’artista visuale Sabrina Cirillo e con il sound engineer Antonio Dafe.
Durante il lockdown del 2020, la band ha lavorato alla produzione del suo primo LP di inediti “Shidoro Modoro” uscito nel 2022 e anticipato da tre singoli, uno dei quali in collaborazione con Pietro Santangelo (PS5, Nu Genea).
Nel marzo 2021 FANALI prende parte ad un tributo ufficiale a Lou Reed con la direzione artistica della stessa Laurie Anderson – assieme ad artisti del calibro di Willem Dafoe e Anohni; questa esperienza ispirerà “Pale Blue Eyes (Reimagining Lou)”, omaggio al grande artista newyorkese realizzato in collaborazione con artisti noti del panorama indipendente italiano (Amaury Cambuzat, Greta Zuccoli, Saturnino, Roberto Dell’Era, Cesare Basile).
Nell’agosto dello stesso anno FANALI produce e porta in tour le sue musiche per la sonorizzazione dal vivo del film sperimentale “L’uomo con la macchina da presa” di Dziga Vertov.
Nell’ ottobre 2024 la release del nuovo lavoro “I’m in control” – in bilico tra elettronica dilatata e forma canzone – riceve grande attenzione dalla stampa di settore e dagli addetti ai lavori.
Nel novembre 2025 è la volta di “Nun me scetà – FANALI plays Sergio Bruni e Roberto Murolo”, un’incursione nel repertorio della canzone classica napoletana portata al successo da due delle voci più iconiche della tradizione musicale partenopea.
Ideale seguito della ricerca cominciata col disco precedente, “’Nu veleno ch’è doce” è il nuovo EP di FANALI che sarà pubblicato il prossimo 23 ottobre 2026 e che è anticipato da “Passione”, brano cui Manuel Agnelli presta la sua voce.

FANALI – formazione:
Caterina Bianco – violino, voce, tastiere, basso
Michele De Finis – chitarra, basso, voce
Jonathan Maurano – batteria

Sabrina Cirillo – visual artist
Antonio Dafe – sound engineer

DISCOGRAFIA
Man With a Movie Camera (2021)
Shidoro Modoro (2022)
Pale Blue Eyes (Reimagining Lou) (2023)
I’m In Control (2024)
Nun Me Scetà (FANALI plays Murolo e Bruni) (2025)
Candy Said (Reimagining Lou – Outtakes) (2026) EP
‘Nu Veleno Ch’è Doce (2026) EP

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