Forse il cuore (Giono dopo giorno, 1947)

Sprofonderà l’odore acre dei tigli
Nella notte di pioggia. Sarà vano
Il tempo della gioia, la sua furia,
quel suo morso di fulmine che schianta.
Rimane appena aperta l’indolenza,
il ricordo di un gesto, d’una sillaba,
ma come d’un volo lento d’uccelli
fra vapori di nebbia. E ancora attendi,
non so che cosa, mia sperduta; forse
un’ora che decida, che richiami
il principio o la fine: uguale sorte,
ormai. Qui nero il fumo degli incendi
secca ancora la gola. Se lo puoi,
dimentica quel sapore di zolfo
e la paura. Le parole ci stancano,
risalgono da un’acqua lapidata;
forse il cuore ci resta, forse il cuore.

Salvatore Quasimodo

Mi sono imbattuto in questa poesia di Salvatore Quasimodo grazie alla mia amica e cantautrice Patrizia Cirulli, la quale ne ha fatto una canzone che mi ha chiesto di arrangiare, e con cui ha vinto il Premio Lunezia 2010 nella categoria “musicare i poeti”. Sono rimasto sorpreso nello scoprire che è una poesia scritta nel periodo della guerra e descrive il dolore e la sofferenza che questa comporta. Il significato che le attribuivo era completamente diverso ma questo è il bello della poesia, il fatto che ognuno la può fare sua. A me ha trasmesso da subito speranza quel “Rimane appena aperta l’indolenza, il ricordo di un gesto, d’una sillaba”, che Patrizia ha fatto diventare il ritornello. Invece l’unico reale momento di apertura alla speranza è il finale, in cui dopo il grande dolore e le devastazioni provocate dall’assurda manifestazione di orrore che è la guerra, alla fine di tutto, quello che resta e che ci resta… forse è il cuore.

Patrizia Cirulli – Link di riferimento: www.fonopoli.net

Essere rinomati non è bello (Autobiografia e nuovi versi, 1958)

Essere rinomati non è bello,
non è così che ci si leva in alto.
Non c’è bisogno di tenere archivi,
di trepidare per i manoscritti.

Scopo della creazione è il restituirsi,
non il clamore, non il gran successo.
E’ vergognoso, non contando nulla,
essere favola in bocca di tutti.

Ma occorre vivere senza impostura,
viver così da cattivarsi in fine
l’amore dello spazio, da sentire
il lontano richiamo del futuro.

Ed occorre lasciare le lacune
nel destino, non già fra le carte,
annotando sul margine i capitoli
e il luoghi di tutta una vita.

Ed occorre tuffarsi nell’ignoto
e nascondere in esso i propri passi,
come si nasconde nella nebbia
un luogo, quando vi discende il buio.

Altri, seguendo le tue vive tracce,
faranno la tua strada a palmo a palmo,
ma non sei tu che devi sceverare
dalla vittoria tutte le sconfitte.

E non devi recedere d’un solo
briciolo dalla tua persona umana,
ma essere vivo, nient’altro che vivo,
vivo e nient’altro sino alla fine.

Boris Pasternak

Una poesia sulla creazione, il cui fine ultimo non è la fama che da essa si presume debba derivare, ma l’entrare un po’ più in se stessi, il restituirsi.
Un modo per tuffarsi nell’ignoto da esploratori, non da prede.
La creazione ha proprio questo valore, chi l’ha sperimentata sa di cosa Pasternak parli. Io dopo avere scritto una canzone sto bene per una settimana, mi sento in armonia con me stesso e mi rappacifico con il mondo.
La creazione è un flash che fa mi realizzare l’esistenza della possibilità di sentirmi sempre pienamente me stesso.
Nella poesia il tuffo nell’ignoto è visto non come una sofferenza, ma più come un percorso che vale la pena di affrontare intensamente, senza voltarsi indietro, per essere nient’altro che vivi.

Forse un mattino andando in un’aria di vetro (Ossi di seppia, 1925)

Forse un mattino andando in un’aria di vetro,
arida, rivolgendomi, vedrò compirsi il miracolo:
il nulla alle mie spalle, il vuoto dietro
di me, con un terrore di ubriaco.

Poi come s’uno schermo, s’accamperanno di gitto
alberi case colli per l’inganno consueto.
Ma sarà troppo tardi; ed io me n’andrò zitto
tra gli uomini che non si voltano, col mio segreto.

E. Montale

Da molti definita una poesia sulla folgorazione data dalla scoperta del nulla, per me rappresenta la quiete del vuoto che è silenzio da amare.
Il vuoto che cancella un passato troppo carico di emozioni sbiadite e rancori e falsi ricordi; la presa di coscienza che è sempre meglio ricominciare da zero, lasciando il consueto inganno della vita che si svolge attorno, finta, come su uno schermo di cinema.
La visione del vuoto coincide con la consapevolezza di aver vissuto almeno un momento di estrema lucidità, in cui il Nulla si rivela e ci insegna a dare il giusto peso alle cose vane.
Un segreto prezioso, perché inconfessabile.

No, io son nato per l’inverno (11 Agosto 1927)

No, io son nato per l’inverno,
per il grigio e il freddo che mi serra d’intorno
per starmene raccolto a stringere sul cuore la mia fiamma
povera fiamma vacillante.
La bella natura
Che si scalda e vive decisa
Al sole, ai colori più sani,
datrice agli eletti di pensieri ed opere forti,
inesorabile come la vita,
universale piena,
a me (piangete o miei poveri sogni)
dà smarrimento e stanchezza,
a me spegne ogni fiamma, fonte più pura.

Cesare Pavese

Un inno all’inverno scritto in estate. Il caldo opprimente dell’atmosfera estiva che dona agli “eletti” energia vitale, per Pavese non è altro che la soffocante sottolineatura del suo isolamento rispetto agli altri, della sua snervante stanchezza , del suo (e del mio) smarrimento. Lo stesso smarrimento, forse, che fa premere il grilletto a Meursault, il protagonista de “Lo straniero” di Albert Camus, che in un torrido pomeriggio d’estate spara quasi contro la sua volontà a un uomo sulla spiaggia.
L’immagine più affascinante che ci rimane è quella del freddo che lo serra d’intorno, che lo protegge dal mondo, un freddo che è amico benevolo e sincero, non come la natura della bella stagione, inesorabile come la vita, che con i suoi colori muove gli altri uomini alla falsità di quei rapporti da cui si sente escluso, nella calma del suo inverno.
Che Pavese lo intenda in senso metaforico o meno, il risultato non cambia: l’inverno è un luogo meraviglioso, un rifugio sicuro, una calma apparente che si nutre di silenzi ovattati. D’estate nel mio cervello fa un freddo cane, perché forse anche a me, il sole, spegne ogni fiamma.

Ha una sua solitudine lo spazio (1695)

Ha una sua solitudine lo spazio,
solitudine il mare
e solitudine la morte,
eppure tutte queste son folla
in confronto a quel punto più profondo,
segretezza polare,
che è un’ anima al cospetto di se stessa:
infinità finita.

Emily Dickinson

Questa poesia sulla solitudine di Emily Dickinson ha avuto subito il potere di farmi sentire meno solo, che poi è la qualità che più apprezzo in una poesia. Non ha alcun senso per me distinguere tra opere d’arte allegre o tristi; trovo che una categorizzazione di questo tipo sia limitante, infatti definendo questa una poesia triste si incorrerebbe in un grave errore.
Quell’infinità finita, o finita infinità, come si trova in altre traduzioni, è infatti da una parte l’accettazione della finitezza umana, ma dall’altra una porta spalancata sulla felicità, un invito ad oltrepassare i limiti mentali che ci impone lo stare in società.
Ho letto che l’autrice si auto-infliggeva un isolamento totale dal mondo, convinta che con la fantasia si riuscisse ad ottenere tutto e che la solitudine fosse un veicolo per raggiungere la felicità: forse un atteggiamento un po’ estremo ma affascinante. Tutta la poesia si svolge nelle ultime due parole, che racchiudono una perfetta descrizione dei limiti ma anche del potere della mente.
E’ incredibile infatti come le due parole si bilancino a vicenda, come nessuna delle due immagini prevalga sull’altra, come sia riuscita a dare una sintesi perfetta della condizione umana.